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  1. Rob Cohen, el director de ‘Rápido y furioso’, fue acusado de abuso sexual Esta denuncia llega luego de que la hija del productor también lo acusara de abusar sexualmente de ella cuando era una niña. Rob Cohen, director, productor y guionista que ha trabajado en franquicias como Rápido y furioso y xXx fue acusado de abuso sexual. En conversación con The Huffington Post una mujer de 28 años que es identificada como “Jane” para resguardar su verdadera identidad denunció que Cohen habría abusado sexualmente de ella mientras estaba inconsciente. La denunciante contó que el abuso habría ocurrido en 2015, cuando se juntó con Cohen para discutir una colaboración en un piloto televisivo. En ese contexto ella recuerda que comenzó sentirse extraña después de cenar con Cohen, quien durante su conversación en un bar de Manhattan habría coqueteado con ella y revelado voluntariamente detalles de su vida sexual. Jane asegura que no habría bebido suficiente para emborracharse y que inicialmente trató de ignorar los comentarios de Cohen pensando en su carrera. Sin embargo, la situación después habría tomado otro tono. De acuerdo a The Huffington Post “aunque el recuerdo de Jane de las últimas partes de la noche es incompleto, hay detalles que recuerda vívidamente. Recuerda haberse sentido repentinamente sola con Cohen en el gran restaurante después de que los otros comensales habían salido. Recuerda haber comenzado a sentirse ‘confundida’. Recuerda que él se inclinó para besar su mejilla y pensar que era extraño. Recuerda haber estado en otro bar con Cohen; recuerda claramente el piso con diseño de tablero de ajedrez”. Todos eventos que, de acuerdo a la denunciante antecedieron, al momento del abuso que habría ocurrido en un hotel. Según el testimonio de Jane, luego de percatarse de que Cohen estaba abusando de ella, corrió al baño para vomitar y volvió a la cama. Cohen habría intentado proseguir, sin embargo, se habría detenido cuando ella le dijo que no. Antes de compartir su testimonio con The Huffington Post, Jane le contó lo sucedido a dos personas. Cohen respondió a estas acusaciones mediante una carta de 13 páginas remitida por su abogado, Martin Singer, a The Huffington Post. “La historia propuesta es una pieza escandalosa y difamatoria, que hace afirmaciones extraordinariamente ofensivas de que mi cliente participó en una conducta sexual atroz, mala conducta criminal y otro comportamiento inapropiado que mi cliente disputa y niega con vehemencia”, señaló Singer antes de añadir que “publicar esta historia en un esfuerzo por alimentar el frenesí mediático del ‘Me Too’ con esta historia salaz”. Esta no es la primera vez que el director de Rápido y furioso es acusado de abuso sexual. A principio de año su hija, Valkyrie Weather, lo acusó de abusar de ella cuando era una niña. Cohen también negó esa denuncia que ya había formado parte de la demanda de separación entre el productor y la madre de Weather, Dianna Mitzner. http://mouse.latercera.com/rob-cohen-rapido-furioso-acusado-abuso-sexual/
  2. Paty López sobre el caso de Herval Abreu: “No es un crimen ser un acosador, son malos hábitos La actriz visitó el programa “No Culpes a la Noche” de TVN, donde se refirió habló del caso de Herval Abreu -con quien trabajó en la última etapa de “20añero a los 40”-, el que fue denunciado por acoso y abuso sexual. En el late, sostuvo que “no es un crimen ser un acosador, son malos hábitos, son de repente quizás un trastorno y no me gusta como demonizar a las personas que hacen algo malo… Siempre se puede pedir disculpas y que vuelva a ser el tremendo director que fue”. En este contexto, la actriz confesó además confesó sin dar nombres que sufrió de acoso en el mundo televisivo como en otros ámbitos. “No hay una mujer en el mundo que de alguna manera no ha recibido acoso”, acotó, agregando que “nunca me atreví a hablarlo y tampoco a denunciar, porque detesto la cacería de brujas”. “Sí creo que plantearlo como un tema, revisarnos, ordenarnos, unirnos está bien”, sostuvo.
  3. Cristián Mason y su regreso a las teleseries tras 17 años El emblemático director está a cargo de Pacto de sangre, la nueva nocturna de Canal 13. Aquí explica cómo se reencantó con una industria distinta a la que conoció El nombre de Cristián Mason está estrechamente vinculado con la era dorada de las teleseries nacionales, y en su currículum como director destacan títulos que están presentes en la memoria colectiva del público, como La trampa, Fácil de amar, Champaña, Amor a domicilio y Cerro alegre. Todas de Canal 13. La última que realizó, hace 17 años, fue Piel canela (2001), para luego emigrar a TVN y dedicarse a los estelares, tal como en sus inicios en pantalla de la mano de Gonzalo Bertrán. Allí, durante diez años, encabezó programas como El baile, Circo de estrellas, Un minuto para ganar y el reality Pelotón. Hoy, casi dos décadas después, el hombre que llevó a la pantalla los guiones de Arturo Moya Grau y Cassiano Gabus Mendes regresa a su excanal y también a su antiguo oficio. Y la razón es simple: “Me enamoré de la historia”, dice sobre Pacto de sangre, la próxima telenovela nocturna que prepara Canal 13 en conjunto con AGTV Producciones. “He trabajado varias veces con Pablo Ávila (dueño de AGTV) y por eso conozco esta historia hace seis años. En un café en La Reina, Pablo me habló de ella y le dije: ‘Cuando se haga esa teleserie la quiero hacer yo’. Y aquí estoy haciendo este thriller”, sintetiza el realizador. Tuvieron que pasar 17 años para reencantarse con el género, cuenta. Y su regreso tiene lugar en una industria distinta a la que conoció, sobre todo en lo relativo a los presupuestos. Ya no existe, por ejemplo, la posibilidad de grabar escenas en el extranjero, como hizo en Puerto Rico con Marparaíso. “Antes existían muchos recursos. Nos íbamos con elenco completo fuera del país. [Pero] no hemos tenido problemas ahora y no nos hemos fijado en gastos, porque queremos que sea una muy buena producción. Mi obligación como realizador es generar productos lo más bellos posible”, asegura. Las primeras escenas de Pacto de sangre -que tiene entre sus protagonistas a Néstor Cantillana y Loreto Aravena- fueron registradas hace casi un mes, en Cachagua, y el resto se graba en estudios del canal, donde ahora están también los trabajadores del grupo español Secuoya. Una novedad que, según Mason, no interviene demasiado con su trabajo. “Yo manifiesto lo que necesito a Pablo y él lo pedirá a Secuoya. Pero en esa negociación interna no tengo intervención. Sólo pido lo que necesito, que es gente que sepa hacer área dramática. Y tal vez en eso fue lo que más costó ponerse de acuerdo”, afirma. Esta es, eso sí, la primera vez que dirige una teleserie nocturna, que reemplazará a Soltera otra vez 3, que desde abril sufre una baja de sintonía y actualmente promedia 9,1 puntos de rating. Sucederá además en el rol a Herval Abreu, quien asumió la dirección de la mayoría de las teleseries de Canal 13 desde su salida de la señal, en 2002; y de alguna forma, el responsable de ciertos cambios en los protocolos internos de todas las áreas dramáticas de la televisión local, luego de las denuncias en su contra por abusos y acoso. “Yo trabajé muchos años en las teleseries y nunca tuve un problema”, asegura Mason. “Creo ser un tipo bastante moderno y sé que las cosas han cambiado en orden de géneros. No entenderlo es ser muy idiota. El mundo ha cambiado”, cierra.
  4. Danny Boyle: Un director impredecible Elegimos 3 películas de este genio. Es muy difícil encasillar a directores como Danny Boyle. Su estilo cambia permanentemente, es casi camaleónico. Pero todas sus películas tienen algo en común, una visión única y una honestidad cruda. Mucha calle y hermosos escenarios naturales se destacan visualmente en los films de este realizador, que sabe muy bien como vendernos su idea desde todos los lugares posibles. Nos cuesta mucho elegir solo 3 películas de Danny, porque son todas muy diferentes, pero este es nuestro top: Tumba Abierta (Shallow Grave, 1994) Tres amigos encuentran un maletín lleno de plata en el departamento de un vecino que acaba de morir. Deciden quedarse con el dinero, pero primero deberán deshacerse del cadaver. Trainspotting (Trainspotting, 1996) Sin duda el éxito más grande de Danny, una película de culto que cuenta la vida de un grupo de amigos adictos a la heroína. Sunshine: Alerta Solar (Sunshine, 2007) La nave Icarus II tiene la peligrosa misión de evitar que el sol se apague y extinga a la raza humana. La Cosa Cine
  5. El cine francés es uno de los más constantes del panorama europeo, teniendo varios cineastas reconocidos actualmente como Arnaud Desplachin, Olivier Assayas o Anne Fontaine. Entre esas figuras, una de las que más destaca es François Ozon, el llamado "enfant terrible" del cine galo, un realizador que ha roto esquemas gracias a un cine provocativo, incómodo y con cierto toque perverso. Nacido un 15 de noviembre de 1967, se trata de uno de los cineastas franceses más valorados en todo el mundo pero que en su propio país no logrado una acogida tan potente. Pese a su edad, tiene 49 años, el cineasta ha dirigido 16 largometrajes, además de 17 cortometrajes, siendo uno de los realizadores más prolíficos del cine francés actual. Ha trabajado con actores de la talla de Catherine Deneuve, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Charlotte Rampling, Romain Duris, Michael Fassbender, Jeanne Moreau o Kristin Scott Thomas. Su filmografía tiene una esencia claramente gala, sus películas tienen un humor ingenioso y satírico, enfocado en provocar a la asustada burguesía francesa, además de mostrar el lado más oscuro y perverso de la sociedad con una perspectiva irónica. Además, sus largometrajes han abordado la sexualidad humana desde su ópera prima, 'Sitcom'. El cineasta considera que el sexo es uno de los aspectos fundamentales para entender la vida de uno mismo. "El sexo es lo que nos otorga nuestra identidad, nos describe y nos hace ver que somos a través de él", dijo el cineasta en una entrevista para la Vanity Fair durante la presentación de 'Una nueva amiga' en el Festival de San Sebastián. "Voyeur, retorcido, perverso, bufón, ingenioso", son calificativos para un cineasta heredero del cine de Rainer Werner Fassbinder, Agnès Varda, Luchino Visconti y Alain Resnais y contemporáneo a otros grandes como Pedro Almodóvar, con el que la prensa no se cansa de compararlo. Con una carrera tan extensa, es momento de destacar once de sus largometrajes, una cuidada selección de una filmografía que merece la pena ser vista enteramente. 1 Sitcom (1998) Su ópera prima es considerada una visión ácida y perversamente satírica de la obra maestra 'Teorema' (1968) de Pier Paolo Pasolini. Desde su primera película, Ozon ya muestra lo que será una constante en su obra, la clásica familia burguesa. La llegada de una rata alterará el orden familiar de una manera surrealista y perversamente divertida. Una cinta que también tiene otro de sus elementos habituales: La teatralidad. 2 Amantes criminales (1999) En 'Amantes criminales', Ozon sigue con su estela de películas en las que nada parece lo que es y encargada de mostrar de forma irónica las caras más perversas del ser humano. El cineasta parisino transforma el cuento de 'Hansel y Gretel' es una historia oscura de una joven que le fascinaba la idea de matar y que aprovecha sus poderes de seducción para convencer a su novio, Luc, de asesinar a Saïd, un compañero de clase con el que la chica flirteaba. Sin embargo, el camino del crimen no es fácil y un solo descuido puede llevar a estos amantes a la perdición. En esta cinta, Ozon plantea otro de sus puntos habituales: Los crímenes retorcidos. 3 Gotas de agua sobre piedras calientes (2000) Se trata de la fusión perfecta entre el cineasta parisino y Rainer Werner Fassbinder, considerado una de las grandes figuras del Nuevo Cine Alemán. Ozon descubrió esta obra de teatro descartada que escribió Fassbinder con 20 años y que decidió rescatar del olvido. Una película que muestra el lado más cruel de las relaciones de pareja, que puede llegar a consumir al individuo cual gota de agua que se evapora al acercase a una piedra tan caliente como el fuego. Presentada en Berlín, se trata de una de las mejores películas del director. 4 Bajo la arena (2000) Con esta cinta, Ozon dejaba de lado su lado más salvaje y extremo y mostraba un drama de una mujer que debía aceptar la pérdida de su marido tras haber desaparecido en la playa. El cineasta muestra el lado más duro del duelo de una pareja, al no saber a ciencia cierta qué ha sido de ese amor. Con 'Bajo la arena', el cineasta mostró su lado más maduro, así como también una vena dramática que sirvió para rescatar del olvido a una de las grandes figuras del cine europeo: La mítica Charlotte Rampling, intérprete que se volvería habitual en su cine. 5 8 mujeres (2001) Ozon volvería a adaptar una obra de teatro, '8 mujeres', obra de Robert Thomas, reúne a las grandes féminas del cine francés: Catherine Deneuve, Fanny Ardant, Isabelle Huppert, Danielle Darrieux y Emmanuelle Béart, además de tener a otras casi debutantes como Virginie Ledoyen y Ludivine Sagnier y contar con la gran Firmine Richard. En '8 mujeres', el cineasta mostró su devoción y sensibilidad por la figura femenina, mostrando en este caso el lado más trágico y cruel de la mujer. 6 Swimming Pool (2003) Una de las obras más personales del director, tanto que estuvo a punto de convertirse en novela. Dos mujeres, una lujosa mansión en la campiña francesa y un crimen. Ozon se nutre de dos de sus intérpretes habituales, Charlotte Rampling y Ludivine Sagnier, para mostrar un thriller digno de Alfred Hitchcock en el que nada es lo que parece. 7 El tiempo que queda (2005) El cineasta, abiertamente gay, ha abordado en sus películas la homosexualidad, la bisexualidad y la transexualidad. 'El tiempo que queda' es, en este sentido, su película más completa. Melvil Poupaud es Romain, un fotógrafo de unos 30 años, abiertamente gay y con una vida de ensueño. Todo ello se verá truncado cuando le diagnostiquen un cáncer terminal que le hará replantearse el legado que deja. Una película en la que también se vio a Jeanne Moreau y a Valeria Bruni Tedeschi. 8 Potiche, mujeres al poder (2010) La obra de teatro de Pierre Barillet y Jean-Pierre Grédy sirvió al cineasta para retomar uno de sus temas favoritos, las "ladies". Catherine Deneuve es Suzanne Pujol, una rica burguesa que debe hacer frente a la empresa familiar, una fábrica de paraguas, después de que su marido sea incapaz de solventar satisfactoriamente una huelga. Esto provocará en ella una voluntad de independencia que le hará sentirse que es más que una mujer florero. 9 En la casa (2012) Ganadora de la Concha de Oro del Festival de San Sebastián, la película está basada en 'El chico de la última fila' de Juan Mayorga. Germain Germain es un profesor de literatura de instituto que se siente frustrado ante una juventud cada vez más ignorante y despreocupada. Sin embargo, un día descubre que Claude Garcia, un chico que se sienta en la última fila de clase, escribe de manera magistral para su edad. Claude escribe fascinado por la vida de la familia de su compañero Rapha, esto empezará un perverso juego de espejos en los que no se sabrá qué es realidad y qué es ficción. 10 Joven y bonita (2013) Ozon se vuelve a convertir en un cineasta "voyeur" con Isabelle, una joven de 17 años que, tras perder la virginidad de una forma tosca e insatisfactoria, decide empezar a prostituirse. La chica, emulando a 'Belle de jour' de Buñuel, se convertirá en una "belle de soir" en la que su etérea y seductora belleza se entremezclará con una mirada distante y melancólica. Una película hipnótica, perturbadora y maliciosamente disfrutable. 11 Frantz (2016) 'Frantz' es la primera película rodada en alemán del cineasta. También se trata de un giro radical en su filmografía, al ofrecer una película histórica, de corte dramático y solemne, aunque ciertos toques de denominación de origen. Una película elegante y clásica que cuenta con un descubrimiento: Paula Beer, que logra tener la esencia de la gran Romy Schneider y logra deslumbrar a un magnífico Pierre Niney.
  6. Director de Wena Profe da las claves de la nueva teleserie Diez años en TVN lleva Rodrigo Meneses, pero será a partir del próximo lunes 25 cuando más atención reciba, ya que ese día debutará Wena profe, su primera teleserie como director. Trabajó en ficciones como Hijos del Monte, Vuelve temprano y ¿Dónde está Elisa?, y estuvo en el canal cuando la entonces directora del área, María Eugenia Rencoret, se fue a Mega. “Fui de los que decidió que el chaparrón tenía que pasar, y no me equivoqué, porque ha dado frutos quedarse. Había que aguantar firme, esperar las nuevas oportunidades y han llegado”, dice. La nueva teleserie vespertina es protagonizada por María Elena Swett y Marcelo Alonso, dupla que ya fue probada el año pasado en El camionero. Esta vez, Swett interpretará a Bárbara Fernández, una estructurada directora de colegio, donde conocerá a Javier Meza, un músico fracasado que no sabe muy bien qué hacer con su vida y decide comenzar a trabajar como profesor de música. Para Meneses volver a repetir esta dupla es algo lógico porque “lo que ellos hacen en el set uno lo agradece, porque son muy buenos, muy profesionales. Además, se manejan tan bien, que casi no hay que darles instrucciones. Tienen muy buena técnica, que es lo que uno necesita como director. Eso es mucho más importante que el ángel que pueden tener”. Nuevamente, el rol de Alonso será el de un padre intentando recuperar a su hija, pero esta vez no se trata de una que dieron en adopción. En esta ficción, su hija (Belén Soto) no lo quiere cerca por considerarlo un desastre. Es fácil comparar, pero Meneses asegura que un papel nada tiene que ver con el otro. “Cuando me dicen que debo hacer esta teleserie, con Marcelo Alonso como protagonista, pensé al tiro que me estaba metiendo en las patas de los caballos. Pero la verdad es que me ha sorprendido Alonso, porque acá se está luciendo. Sé que es un ambiente parecido, pero ha logrado hacer un personaje completamente diferente. Lo dio vuelta, y con harto humor”, explica. Wena profe es una comedia que cuenta con un numerosos elenco, como se acostumbraba antiguamente en la señal, con cerca de 30 personas, y la mayoría de ellos son actores jóvenes y desconocidos. Sin embargo, también hay nombres reconocidos de la pantalla chica, como Carolina Arregui, Néstor Cantillana, Patricio Achurra y Alejandra Fosalba, entre otros. Los mismos que tendrán que salir a competir con Tranquilo papá (Mega), que lidera el bloque de las 20 horas, y más adelante se enfrentarán a Si yo fuera rico, la que pronto será la nueva vespertina del canal del Grupo Bethia. Desde el interior de TVN aseguran que por ahora lo importante para ellos es volver a conectar con las audiencias, y saben que ese es un camino largo. Meneses comparte este pensamiento al decir: “como área estamos renaciendo, agarrando vuelo”. “Es muy difícil competir con la Quena, que es una experta en hacer lo que estamos haciendo, pero creo que esta vez entraremos a competir muy a la par”, finaliza.
  7. Autodenominado The Horror Master en sus perfiles personales en varias redes sociales, John Carpenter, hace honor a un apodo que no solo él se atribuye, sino que es el que le ha otorgado la propia historia del cine de género, por no hablar de la legión de acérrimos fans que sigue moviendo tras más de cuatro décadas como realizador, compositor y creador de algunos de los títulos más reconocibles del cine moderno. Nacido en la villa de Carthage, Nueva York, en 1948, Carpenter comenzó su carrera como director en 1974, sin haber acabado sus estudios en la University of Southern California's School of Cinematic Arts, estrenando 'Dark Star', una sátira acerca del cine de ciencia-ficción, el cual había sido su principal foco de atención durante su infancia y adolescencia. Con Alfred Hitchcock y Howard Hawks como dos de los principales referentes en toda su filmografía, la carrera de John Carpenter, quien pronto pasó a ser conocido como una de las Tres C's del Terror Moderno junto a Wes Craven y David Cronenberg, ha estado ligada a la creación de títulos de culto y de films que han sentado cátedra para generaciones posteriores de cineastas. Siendo el creador de las piezas musicales de gran parte de sus películas (lo cual le ha valido que durante los últimos años se prodigue como estrella invitada en festivales de música más que como realizador de películas), el Maestro del Horror ha dirigido un total de 18 largometrajes y 5 películas para televisión, en los que su sello personal donde los personajes renegados, la esencia del mal y esquemas básicos del western, transmutan para representar la pertinente diatriba que nos presenta con cada propuesta. Terror, ciencia-ficción y cine de aventuras se convierten en los tres pilares a través de los cuales Carpenter ha ido creando su aura como intachable autor de género, quien pese a varios altibajos en su carrera, tanto en el apartado de la crítica como en el varapalo en taquilla de algunas de sus producciones, ha conseguido que su nombre continúe en lo más alto del Olimpo de realizadores, pese a que sus últimas producciones para cine, 'Fantasmas de Marte de John Carpenter' y 'Encerrada', sean obra de un Carpenter menor, aunque no tan horribles como nos quisieron hacer entender en su día. Desde el siguiente especial, y teniendo en cuenta que pocos son los homenajes que se puedan a hacer a una de las grandes leyendas vivas del cine, hemos seleccionado los 10 mejores títulos de John Carpenter. 10 'Vampiros de John Carpenter' Basada en la novela homónima de John Steakley, 'Vampiros de John Carpenter' se estrenó en 1998 y está considerada como una de las últimas grandes películas de John Carpenter. Contada cual spaguetti western, y protagonizada por James Woods y Daniel Baldwin, cuenta como un equipo de cazavampiros liderado por Jack Crow (Woods) cae en una emboscada por parte del temible Valek (Thomas Ian Griffith), quien tiene la intención de hacerse con una vieja reliquia que le permitirá caminar bajo la luz del sol. 9 '1997: Rescate en Nueva York' Corría el año 1981 cuando John Carpenter estrenaba su séptimo largometraje (el quinto para cine, pues ya había rodado dos títulos para televisión en 1978 y 1979, 'Someone's Watching Me!' y 'Elvis') y segunda película de culto de su filmografía, '1997: Rescate en Nueva York'. Kurt Russell se convierte en "Serpiente" Plissken, un convicto enviado a rescatar al Presidente de los Estados Unidos (Donald Pleasence), cuyo avión ha sido secuestrado y él ha conseguido huir a través de las calles de la ciudad de Nueva York. La isla de Manhattan, una prisión de alta seguridad, será el emplazamiento en el que Plissken deberá inmiscuirse para rescatar al Presidente en esta distopía que tendría una secuela en 1996, '2013: Rescate en L.A.'. 8 'Están vivos' Nada (Roddy Piper) encuentra unas gafas de sol las cuales le muestran la realidad cual es: los anuncios que pueblan las calles y todos los productos que compramos, contienen mensajes subliminales y los personajes importantes del sector social y político, son en realidad extraterrestres. Dándose cuenta de que la raza invasora pretende esclavizar a la humanidad mediante sus mensajes de consumo y de no sublevación, se unirá a la resistencia con el fin de acabar con los alienígenas. Conformada cual sátira acerca de la incipiente sociedad de consumo y criticando la supremacía yuppie de los ochenta, el propio John Carpenter ha sido quien ha tenido que salir en defensa de 'Están vivos' para negar que se trate de una alegoría sobre de las teorías conspiranoicas acerca del dominio económico judío, aclarando que únicamente es una crítica al capitalismo. 7 'Golpe en la pequeña China' Habiendo sido un fracaso en taquilla en su día (costó 20 millones y recaudó 11'1), 'Golpe en la pequeña China' es en la actualidad uno de los títulos de la etapa ochentera de John Carpenter más interesantes, el cual mezcla a la perfección el cine de aventuras con el de artes marciales. Protagonizada por Kurt Russell, quien interpreta al camionero Jack Burton, el cual se verá inmiscuido ante los planes de Lo Pan (James Hong), líder de una banda de gángsteres chinos que es, además, un mago de 2000 años. Con la intención de salvar a la prometida de su amigo Wang Chi (Dennis Dun) y a Gracie Law (Kim Cattrall), Burton se enfrentará a una serie de males milenarios a través de las calles de San Francisco. 6 'En la boca del miedo' Con 'En la boca del miedo', John Carpenter daba por zanjada su Trilogía del Apocalipsis, después de 'La cosa' y 'El príncipe de las tinieblas', y haciendo un sentido homenaje a la figura de H.P. Lovecraft y, en menor medida, Stephen King. Sutter Crane, un famoso escritor de novelas de terror, desaparece sin dejar rastro antes de entregar su nuevo libro. Mientras que algunos de sus lectores comienzan a comportarse de manera violenta, su editor contratará al detective John Trent (Sam Neill) para que lo encuentre. Éste, quien sospecha de que todo se trata de una estratagema de marketing, se topará de bruces con una aterradora realidad. 5 'Asalto a la comisaría del distrito 13' Como bien ha podido verse a lo largo de su carrera, si hay un género al que John Carpenter le encanta rendir homenaje, a su modo, es al western, algo que dejó bien claro con su segundo largometraje, 'Asalto a la comisaría del distrito 13', estrenado en 1976. Siendo su principal referente el del 'Río Bravo' de Howard Hawks, la historia nos presenta a un policía de Los Ángeles cuyo primer destino es a una comisaría que se encuentra en pleno proceso de mudanza a otro nuevo emplazamiento. Lo que parece ser una noche tranquila, se verá interrumpido con la llegada de un furgón que custodia a un peligroso criminal, quien deberá pasar la noche en el lugar. Clásico imperecedero de la serie B, su esquema ha sido harto imitado durante décadas en el cine de terror, siendo algunos de los ejemplos más recientes los de 'Let us prey' o 'Last Shift'. 4 'El príncipe de las tinieblas' 'El príncipe de las tinieblas' de John Carpenter sigue siendo una de las mejores propuestas de horror de los años ochenta, la cual conjuga a la perfección varios de los elementos que catapultaron a dicho género en su época (poseídos, monstruos) y se convierte en una de las películas donde lo sobrenatural y lo religioso alcanzan unas cotas más interesantes en cuanto a planteamiento. Con una visión del Mal un tanto cósmica, heredera del horror cósmico lovecraftiano, no topamos con lo que bien podría ser el lugar donde yace el mismísimo Satanás, en el sótano de una iglesia abandonada donde llegará un grupo de investigadores científicos y teólogos con el fin de hallar una respuesta lógica a lo que parece escaparse de cualquier tipo de razón. Mientras tanto, un grupo de acólitos satánicos liderados por un vagabundo encarnado por Alice Cooper, se congregarán en las afueras del lugar para recibir como se merece al Príncipe de las Tinieblas, a la vez que en el interior se comienzan a desatar todos los males. 3 'El fin del mundo en 35mm' En 2005 llegaba la primera temporada de 'Masters of Horror', la cual reunía a algunas de las figuras más importantes del cine de terror para que presentasen sus respectivas propuestas. Como no podía ser de otra forma, John Carpenter firmó una de las mejores entregas, titulada 'Cigarette Burns', y traducida aquí como 'El fin del mundo en 35mm'. En ella, Norman Reedus interpreta a Kirby Sweetman, propietario de una sala de cine que exhibe películas de culto quien, por causas de su precaria situación económica, se ve obligado a trabajar para otros, en concreto en la búsqueda de películas extrañas para millonarios. El señor Bellinger (Udo Kier) le contratará para que encuentre lo que parece ser una película maldita llamada 'La Fin Absolue du Mond', la cual conllevó a quienes la visionaron durante su premiere en el Festival de Sitges, a una oleada homicida. Después de aquel primer pase, la película fue supuestamente destruida. A medida que Kirby vaya descubriendo los motivos que llevan a la locura a quienes ven la película, irá desentrañando una realidad inimaginable. 2 'La cosa' 'La cosa', estrenada en 1982, fue la primera parte de la 'Trilogía del Apocalipsis' de John Carpenter, la cual estuvo basada en 'Who Goes There?', la novela corta de John W. Campbell que ya había sido adaptada al cine en 1951 por Howard Hawks en 'El enigma de otro mundo'. Con música de Ennio Morricone, una clara inspiración en los mitos de los primigenios de Lovecraft, y protagonizada por Kurt Russell, cuenta como un equipo de investigadores en la Antártida debe hacer frente al misterio que surge al hallar un objeto que parece haber estado bajo la nieve durante milenios y cuyo origen parece extraterrestre. Siendo un rotundo fracaso en su día, tanto en taquilla como por el varapalo que se llevó por parte de la crítica, 'La cosa' es a día de hoy uno de los grandes títulos de Carpenter, el cual sentó cátedra tanto en el cine de horror como en la ciencia-ficción, y el cual contó incluso con una digna precuela allá por 2011, 'La Cosa'. 1 'Halloween' Con un presupuesto de 325.000 dólares, John Carpenter llevó a la pantalla su propia visión del Hombre del Saco, convirtiendo a Jamie Lee Curtis (la desvalida Laurie Strode) en la scream queen absoluta, con quien el realizador volvería a formar equipo en 1980 en 'La niebla'. Quince años después de que el pequeño Michael Myers asesinase brutalmente a su hermana durante una noche de Halloween, consigue escapar del psiquiátrico en el que había sido recluido para volver a Haddonfield y así continuar con el trabajo que comenzó tiempo atrás, mientras el Dr. Loomis (Donald Pleasence) le sigue la pista de cerca. 'Halloween' no solo fue la primera de una longeva saga y se convirtió en el pistoletazo de salida para el subgénero slasher de los ochenta, sino que se convirtió en una de las películas de terror más rentables de la historia del cine de terror, donde la personificación del Mal, algo que Carpenter siguió explotando en su cine en las décadas posteriores, se representó de manera casi sublime en los ojos inexpresivos de Michael Myers.
  8. María Eugenia Rencoret: “Los realizadores tenemos que preocuparnos de que la TV siga viva” Perdona nuestros pecados es la segunda teleserie nocturna de la creativa en el canal del Grupo Bethia, y ya promedia 27,2 puntos de rating, lo que la deja como lo más visto de nuestra pantalla. El avasallador éxito de la ficción es analizado por la directora general área dramática de Mega, quien piensa hasta en una tercera temporada. Hay tres pilares fundamentales dentro del éxito de Mega como canal: Perdona nuestros pecados, Tranquilo papá y Verdades ocultas. Las teleseries de María Eugenia Rencoret marcan altas cifras de rating, lideran sus horarios y rompen récords de audiencia, como pasó hace unas semanas con Amanda, a las 15 horas, y como ocurre con la nocturna que protagonizan Paola Volpato, Alvaro Rudolphy y Mariana Di Girólamo. La noche del miércoles, por ejemplo, la ficción marcó 31,8 puntos de rating en promedio. No de peak, de promedio. Generalmente Perdona nuestros pecados no baja de los 30 puntos. ¿Pensó que llegaría a esas cifras? Cuando pasa esto es cuando uno empieza a pensar: ¿la televisión está realmente en crisis? Si hay este nivel de números en las audiencias, es porque la gente quiere ver buena televisión y buenas producciones, y no hablo solo de teleseries, sino de productos en general. Creo que a la gente le gusta ver buena televisión, y somos nosotros los realizadores los que tenemos que preocuparnos de que la televisión siga viva. ¿Y a qué cree que se debe tanto éxito? Siempre he pensado que la base de cualquier producción exitosa es su historia, cómo se desarrolla, cómo está escrita, y el avance que va teniendo durante su desarrollo. Creo que esas son las cosas que más marcan a cualquier producción. Por supuesto que esta es una excelente historia desde su base. Se notaba, en un comienzo, que sería muy interesante de realizar. Después, su desarrollo ha sido excepcionalmente bueno. ¿Por qué decidieron hacer una segunda temporada, cosa muy poco usual en nuestra TV? Cuando empezamos a hablar de esta historia, la quisimos dividir en años, en temporadas, porque iban a haber saltos temporales, como está ocurriendo ahora. Al conversarlo sabíamos que esta teleserie da para mucho, que cada salto de época puede dar para una nueva temporada. Estuvo pensado de antes que saliera al aire que podía tener dos, y hasta tres, temporadas. ¿O sea que es muy probable que tenga tercera temporada? Puede ser, no es que eso esté ahora timbrado porque queremos ver si la historia da. Pero lo cierto es que hasta el momento ha dado mucha carne. ¿Existe el temor de aburrir a la audiencia al alargar la historia? Creo que las teleseries tienen ciclos, y creo que no es bueno seguir eternamente con una misma historia. Creo que dos temporadas es una buena medida, aunque eso ya es harto tiempo al aire. Pero la gente nos ha acompañado, al igual que la sintonía, y eso es para nosotros muy atractivo, sobre todo para los guionistas, porque estás escribiendo algo que la gente realmente quiere ver. ¿Cómo lo hace para no repetir la fórmula y no caer en lo mismo? Siempre está el temor de repetirse, y el temor del fracaso. La vara queda alta cuando tienes altas sintonías como esta, y ahí está nuestro trabajo, seguir convocando gente, y hacer que la gente siga queriendo ver nuestras producciones. Ese es un gran desafío porque nadie tiene una bolita de cristal para tener asegurado el rating. Nuestra labor es tener el olfato más cercano posible con la audiencia, generar estudios, y poder leer, de alguna manera, lo que la gente quiere ver. ¿Y qué hacen cuando una teleserie deja la vara muy alta, como ocurrió con Amanda? Cuando tienes esos éxitos tan arrolladores, es lógico que uno entra con un poco de temor con lo que viene. Pero entras con la claridad absoluta que no vas a partir con el mismo rating que está dejando la anterior. Debes empezar de a poco. Hay mucha gente que queda viuda de las teleseries y que dicen que nunca más se meterán en una. Entonces debes convocar de nuevo, que vean la nueva producción, que no significa que sea más mala que la anterior. Hay todo un camino en el que la gente debe volver a engancharse. ¿En qué momento diría que está el área dramática de Mega? Vamos a cumplir ya cuatro años en Mega. Es un área dramática que ha logrado seis producciones al año, hemos dado mucho trabajo para harta gente y hemos tenido bastantes buenos resultados. No debemos quedarnos tranquilos porque esto siempre se está moviendo, y la competencia existe. Tenemos que preocuparnos de mantener viva esta audiencia. No hay que dormirse en los laureles porque esto es día a día. Esto no para.
  9. GEORGE A. ROMERO MUERE A LOS 77 AÑOS El cineasta George A. Romero, creador de la clásica película “La noche de los muertos vivientes”, murió hoy a los 77 años de edad, según informó su familia. De acuerdo al medio Los Angeles Times, Romero murió tras una “corta, pero agresiva batalla contra un cáncer pulmonar”. Según su familia, Romero falleció mientras dormía escuchando el soundtrack de su película favorita, “The Quiet Man” de 1952, y siendo acompañado por su esposa e hija. A Romero se le considera “el padre” del género zombie tras ser el creador, junto a John A. Ruso, de la película “La noche de los muertos vivientes” en 1968. Si bien en ninguna parte del film se menciona la palabra “zombie” sí dio origen a muchas de las características que hoy se le asocian a esta criaturas – tales como el canibalismo y las agresividad -, manteniéndose así vigente hasta el día de hoy e inspirando al surgimiento de películas y videojuegos de éste género. Fuente:
  10. Si empezáramos a enumerar la cantidad de películas que se han hecho sobre Batman, quizá no acabaríamos nunca. Lo cierto es que Joel Schumacher ha dirigido dos de ellas: 'Batman Forever' y 'Batman y Robin'. Esta última es la que ha causado más polémica hasta la fecha. La taquilla no igualó el resultado de la anterior entrega, ni tampoco la crítica la dejó muy bien parada. Prueba de ello fue a que Schumacher le cancelaron el proyecto para una próxima entrega: 'Batman Unchained'. Noel Ransome fue uno de los muchos espectadores que quedaron defraudados ante esta representación del superhéroe. "Lo primero que vi fue la escena de un Batman con el pecho y el trasero moldeados a la perfección", declaró Ransome. De hecho, esa película le hizo reflexionar sobre dos cosas: "una, sobre el valor del dinero, ya que había gastado 6 dólares en esa película; y dos, que hablaría con el responsable de ese desastre". 20 años después, lo ha conseguido. En una entrevista al portal Vice, Schumacher dijo lo siguiente. "Mira, lo siento. Quiero disculparme con cada fan que quedó decepcionado porque creo que se lo debo". No fue el único que quedó defraudado con el resultado. Así lo afirmó el propio George Clooney. En declaraciones a Total Film, el actor norteamericano, que desempeñó el papel de Batman, afirmó que "era difícil estar bien dentro". Poco después, Chris O'Donnell, su co protagonista como Robin, explicó que "En 'Batman Forever' sentía que estaba haciendo una película. La siguiente vez sentí que construía un juguete para un niño". 'Batman Forever' tuvo cierto éxito. El director reconoce que en principio no se planteó hacer una secuela, pero se sintió presionado para hacerla. "Todo el mundo en Warner Bros. esperaba de mí que hiciera una". Joel Schumacher no quería ser visto como el "rey de los blockbuster". Él mismo defiende que con títulos como 'The Lost Boys' o 'A Time to Kill' había cosechado cierto éxito con la audiencia y no tan a menudo con los críticos, que era el motivo por el que escribía esas historias. "Después de 'Batman & Robin' me sentía lo peor. Era como si hubiera asesinado a un bebé". El director reconoce que "Nadie es responsable de mis errores salvo yo". Solo tiene elogios para todos los directores de la época, los que se atrevieron a adentrarse en el universo de los superhéroes. "Christopher Reeve, que creó mucha sensación y fue realmente genial en muchos sentidos. Marvel había cambiado todo con Spider-Man, un magnífico personaje. De hecho, volvió a los orígenes con Tobey Maguire, tan joven e inocente como el cómic original. Estaba un poco en la oscuridad, no estaba despierto, pero tengo que reconocer que Tim Burton le dio una nueva vida a 'Batman' y Jack Nicholson estuvo simplemente fabuloso. Estuve tan ocupado con las promociones y los viajes prácticamente cada año que hacía una película. Tratas de estar al tanto con estas películas, verlas todas, pero no creo que estuviera en contacto con el superhéroe del momento". Joel Schumacher tomó el relevo de Tim Burton para dirigir a Batman. Lo cierto es que su visión no tiene nada que ver con la de su gran amigo. "Es realmente interesante para mí porque si tú ves sus películas y las mías, entenderás lo inocente que era la audiencia al pedir un Batman más familiar, incluso amistoso. Entonces, cuando ves la trilogía de Christopher Nolan, es en la última especialmente donde se encarga de plasmar los problemas reales y económicos. Ves cómo la audiencia ha cambiado y ves cómo aceptan y quieren un producto más oscuro". El traje de la discordia La entrevista dio también para hablar de una parte concreta del vestuario de Batman. Concretamente de los pezones. Para muchos espectadores es uno de los muchos fallos que tiene la historia. Su director intentó aportar un toque cómico a la explicación. "En un mundo tan sofisticado en el que vivimos dos trozos de goma, del tamaño de la goma de borrar de los lapiceros antiguos, pueden ser un problema. Estará en mi lápida, lo sé". Por si fuera poco, también da más detalles sobre su fabricación. Al parecer fueron obra de José Fernández, el jefe de escultura. "Si te fijas en el traje con el que aparece Michael Keaton por primera vez, te darás cuenta de lo grande que es. Era genial, pero también lo mejor que podían conseguir en aquella época. Para cuando salió 'Batman Forever', el modelaje de goma había avanzado mucho. Así que pensé en hacerlo totalmente anatómico y le di fotografías de los cuerpos griegos y de los típicos dibujos de anatomía que se pueden ver en los libros médicos. Hizo los pezones y cuando los miré pensé «Molan»".
  11. Cuando alguien rueda una película como 'La vida de Adele' ('La vie d'Adèle'), un gran éxito crítico que además también fue muy rentable es de esperar que todos sean facilidades para su siguiente trabajo. Lo cierto es que parecía que ese iba a ser el caso para Abdellatif Kechiche, pero unos cambios de última hora han provocado que no tenga el dinero necesario para acabar la que iba a ser su nueva película, por lo que ha decidido subastar la Palma de Oro lograda por su anterior cinta para conseguirlo. El gran problema al que ha tenido que hacer frente Kechiche con 'Mektoub is Mektoub' es que con todo ya muy avanzado decidió dividirla en dos películas en lugar de una. La primera consecuencia de ello fue que le resultó imposible llegar a tiempo para el Festival de Cannes de 2017, pero es que además se encontró con diversos problemas legales, ya que sus había prometido a sus financiadores una película. El banco ha bloqueado la línea de crédito y Kechiche no estaba por la labor de quedarse quieto. De hecho, la Palma de Oro no es lo único que ha puesto disponible para subasta, ya que varios cuadros utilizados durante el rodaje de 'La vida de Adele' también correrán la misma suerte. La compañía francesa Quat'Sous será la encargada de manejar el asunto, pero se desconoce cuál es la cantidad que necesita Kechiche para completar la película. 'Mektoub Is Mektoub' se ha convertido ahora en 'Les dés sont jetés' y 'Pray for Jack', lo cual también ha afectado a su historia. En un primer momento se habló de esta libre adaptación de la novela 'La blessure, la vraie', obra de François Bégaudeau, como la historia de un guionista cuya vida persona y profesional chica al visitar el pueblo en el que visita, pero ahora se habla de ella como una épica saga familiar. Lou Luttiau, Shain Boumediene y Ophelie Bau son sus protagonistas.
  12. Jonathan Demme, director que nos dejaba el pasado 26 de abril tras perder la lucha contra el cáncer de esófago, era un tipo que no fallaba. Convertido en director estrella en los primeros años de la década de los noventa, Demme consiguió mantener intacto el respeto y admiración de la industria a lo largo del tiempo. El público, más cauto a la hora de elevar la devoción hacia su cine, y la crítica, mucho más apasionada, siempre se mostraron mucho más entregados a su faceta de director de ficción que a la dedicada al género del documental musical, terreno en el que Demme sigue siendo uno de los creadores más imprescindibles. En cualquier caso, antes de establecer un criterio basado en la comparación es mejor, sin lugar a dudas, enmarcar todas estas facetas alrededor de su incuestionable talento. Sobran argumentos para ello. A continuación, nos sumergimos de lleno en el legado de Jonathan Demme destacando sus seis trabajos esenciales, las películas en las que las musas aparecieron para arrasar con todo a su paso y que consiguieron, de forma contundente, la siempre ansiada unanimidad en el aplauso. En definitiva, un recorrido por las cimas de un director que no necesitaba artificios ni golpes de efecto para alcanzar la emoción y la complicidad con el espectador. Se trataba, sencillamente, de hacer que todo pareciera fácil. Demme, un maestro en el arte de la grandeza dentro de la sencillez. 6 'Rachel Getting Married' La última gran película de la carrera de Jonathan Demme, 'Rachel Getting Married', era todo lo contrario a lo que podíamos esperar de Jonathan Demme a esas alturas de su carrera. Una cinta en los límites del movimiento cinematográfico Dogma que, sin embargo, no se quedaba en capricho de turno de cineasta respetado y se servía de su modelo visual para tratar de reflejar de la manera más profunda y fiel posible los sentimientos y pensamientos de sus protagonistas. Un conjunto de personajes presentados y desarrollados con evidente maestría, sin prisa pero sin pausa, e interpretados por un reparto entregado a la causa, especialmente unas impecables Anne Hathaway y Rosemarie DeWitt. La historia, capaz de provocar la sonrisa cómplice y, en cuestión de segundos, golpear en la misma boca del estómago al espectador, se sostiene sobre los hombros de sus actrices mientras que Demme, siempre acertado, va tejiendo una tela de araña emocional de la que es imposible escapar. Lo importante, en 'Rachel Getting Married', está en los pequeños detalles. Ahí es donde la película se hace grande, inmensa, imprescindible a la hora de hablar de los trabajos más importantes de su director. 5 'Neil Young: Heart of Gold' Más de dos décadas después de revolucionar el género del documental musical con la espectacular 'Stop Making Sense', Jonathan Demme repitió la jugada con 'Neil Young: Heart of Gold', excelente obra que mostraba el lado más humano de Neil Young, el gran héroe musical del cineasta. Una propuesta mucho más emocional que visual, pero igualmente maravillosa en todos sus aspectos. Evidentemente, y pese a que las comparaciones siempre son odiosas, estamos hablando del compositor de, entre otros milagros, 'After the Gold Rush', 'Harvest' o 'Zuma', por lo que el reto era aún mayor. Quizá por eso, Demme optó por una vertiente mucho más delicada que la épica de su documental sobre Talking Heads, centrando su mirada en el ser humano que se esconde tras el mito eterno, la leyenda viva. Una perspectiva con la que el director, en una comunión casi espiritual con Young, conseguía transmitir una emoción honesta y difícil de encontrar en propuestas de este tipo. Una obra de alcance directo al corazón. Pura música. Puro cine. 4 'The Manchurian Candidate' Remake de la película de mismo título dirigida por John Frankenheimer en 1962, 'The Manchurian Candidate' nos traía de vuelta la mejor versión de un Jonathan Demme que había naufragado a lo grande con su anterior proyecto, 'The Truth About Charlie'. En aquella ocasión, el cineasta se atrevió a llevar a cabo otra revisión, en este caso de esa joya de 1963 llamada 'Charada', con unos resultados muy pobres. Afortunadamente, dos años más tarde tuvo la osadía de presentar una revancha a la altura, eso sí, en un terreno mucho más propicio, el thriller. Pese a que la intriga y el misterio tienen una fuerte presencia a lo largo de la trama, 'The Manchurian Candidate' aporta un componente social y político indiscutible, tan cinematográfico como reivindicativo, evidente en su protesta antibelicista pero, al mismo tiempo, centrado de manera constante en la búsqueda del entretenimiento total del espectador. Y consigue cumplir con todas sus metas, de fondo y forma, de una manera más que notable, consiguiendo superar a la cinta original y aportando, en pequeñas dosis, ligeras novedades que engrandecen una de las propuestas más comerciales y accesibles de la carrera de Jonathan Demme. Y una de las mejores. 3 'Philadelphia' Otro clásico. Jonathan Demme, consciente de que todas las miradas estaban posadas sobre su próximo proyecto después de arrasar en taquilla y premios con la inestimable ayuda de Hannibal Lecter y Clarice Starling, se guió de nuevo por su valentía para afrontar una película tan demoledora como 'Philadelphia', uno de esos dramas inolvidables frente a los que imposible no derramar una lágrima. Un logro que tiene aún más mérito ya que, Demme, demuestra constantemente un control absoluto sobre una historia que, en otras manos, habría caído a lo grande en el golpe de efecto fácil, en la búsqueda del lado menos sutil para llegar a emocionar al espectador. Sin embargo, el cineasta consigue el equilibrio perfecto entre la sensibilidad y la elegancia, la dureza y la sobriedad, la contundencia y la sencillez. Un trabajo que suponía, además, un paso al frente por parte de la industria a la hora de hablar de un tema tan delicado y complejo como el SIDA, de especial actualidad en el momento del estreno de la película. Demme, en colaboración con dos actores en permanente estado de gracia, Denzel Washington y, especialmente, un inolvidable Tom Hanks, conseguía el más difícil todavía. Emocionar sin trucos, conmover sin trampas, cautivar sin fuegos artificiales. Una canción, un vídeo doméstico y una despedida respetuosa. 'Philadelphia', otra obra maestra dentro de la carrera de su director. 2 'Stop Making Sense' Tres noches y siete cámaras. Jonathan Demme no necesitó nada más para construir uno de los documentales musicales más memorables de la historia del cine, 'Stop Making Sense', testimonio del espectacular legado que nos dejó una banda tan única y genial como Talking Heads. El cineasta lo tenía más que claro, la clave residía en trasladar a la gran pantalla los componentes visuales que siempre acompañaron a las eternas canciones de David Bryne y compañía, convirtiendo la experiencia emocional de disfrutar de un concierto en pura sensación de vértigo cinematográfico. Un trabajo de dirección abrumador, hipnótico, capaz de convertir unas melodías imbatibles en algo más, sueños en permanente movimiento. 'Stop Making Sense' es mucho más que un documental, más que un disco. Una experiencia total. 1 'The Silence of the Lambs' 'The Silence of the Lambs' se estrenó el 14 de febrero de 1991. Un año, un mes y 16 días más tarde, la Academia le entregaba 5 Oscars, incluyendo los correspondientes a las categorías de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Actor, Mejor Actriz y Mejor Guion adaptado. Puede que parezca simplemente una anécdota, un reconocimiento más para una película que no dejó de crecer desde que llegó a las carteleras de todo el mundo, pero estas estatuillas significan más. Mucho más. Se trata, sencillamente, de la coronación definitiva de una obra maestra que aguantó el paso del tiempo incluso en el terreno más peligroso, el de los premios de la industria, siempre obsesionados con trabajos que aparecen en el último momento dispuestos a arrasar con todo. La cuestión es que, en el caso de esta adaptación de la novela de Thomas Harris, la sensación de estar ante un clásico era tan potente que había que estar ciego para no ver que se trataba de la película más importante del año. Y una de las de la década que acababa de comenzar. Thriller perfecto de inicio a fin, intriga manejada con pulso de hierro por un Demme iluminado, con un reparto apabullante, un villano inolvidable y una protagonista convertida automáticamente en icono cinematográfico, 'El silencio de los corderos' resume toda la grandeza que puede tener el género, devorando expectativas y manteniendo ese don de no envejecer. La mejor película de su director, con diferencia, y una de las obras maestras más apasionantes de los noventa.
  13. Fallece Jonathan Demme, el director de El silencio de los inocentes El director estadounidense tenía 73 años. También dirigió Filadelfia y el 'rockumental' de los Talking Heads, Stop Making Sense Jonathan Demme, el director de cine estadounidense cuya carrera tiene trabajos que van del documental de la banda Talking Heads, Stop making sense, a la multipremiada El silencio de los inocentes, falleció la mañana de este miércoles en su casa de Nueva York. Demme, que tenía 73 años, perdió la batalla contra el cáncer de esófago que arrastraba hace tiempo, tambíen tenía complicaciones cardíacas. Demme había sido tratado del cáncer en 2010, pero el mal recrudeció en 2015. Demme mantenía una vida privada, pero su carrera fue marcada por una versatilidad creativa que fue aclamada a comienzos de los 70. Debutó en el cine con Angels hard as they come, producida por Roger Corman, pero su carrera alcanzó otro plano crítico y de éxito comercial con los dramas de los 80 que incluían Melvin and Howard, Swing shift y Something wild. Sus mayores éxitos vendrían en la siguiente década, con El silencio de los inocentes, que impactó con las actuaciones de Judie Foster y Anthony Hopkins, y Filadelfia, que le valió un nuevo premio Oscar a mejor actuación a Tom Hanks. http://www.abc.es/play/cine/noticias/abci-muere-jonathan-demme-director-silencio-corderos-201704261659_noticia.html http://www.eldeber.com.bo/escenas/Fallece-Jonathan-Demme-el-director-de-El-silencio-de-los-inocentes-20170426-0026.html
  14. ¿Por qué hacer una película sobre algo que se entiende completamente? Yo hago películas sobre cosas que no entiendo y deseo entender. El director de cine japonés Seijun Suzuki falleció el pasado 13 de febrero debido a una enfermedad pulmonar, según ha informado la cadena japonesa NHK. Tenía 93 años. La obra de Suzuki no es demasiado conocida por estos lares, aunque sí a nivel cinéfilo. Conocido sobre todo por sus películas sobre yakuzas, a las que le dio la vuelta, casi subvirtiendo el género, ha servido de inspiración para muchos cineastas, tales como Jim Jarmusch o Quentin Tarantino. De Suzuki es conocido sobre todo 'El vagabundo de Tokio' ('Tôkyô nagaremono', 1966) y 'Marcado para matar' ('Koroshi no rakuin', 1967). El cine de Suzuki se caracteriza por romper las reglas, pasar de la lógica, contener un irreverente sentido del humor y mucho nihilismo. También gustaba de mezclar elementos de diversos géneros, tales como el western o el musical. Una mezcolanza que a muchos no gustaba, entre ellos, los propios productores que alegaban no ganar dinero con las películas de Suzuki, que consideraban incomprensibles, por lo que decidieron no pagarle. Un largo juicio y encabezar una lista negra fueron algunos de los contratiempos con los que tuvo que lidiar el director. Suzuki tuvo un tardío reconocimiento, algo que le suele pasar a muchos grandes directores de todas las latitudes. En 1980 el cuento de fantasmas 'Tsigoineruwaizen' ganó los principales premios de la Academia Japonesa de Cine, y fue considerado por la crítica como la mejor película japonesa de los años ochenta. Se llamaba Seitaro Suzuki y empezó a firmar con el seudónimo Seijun en su primera película en scope: 'Underworld Beauty' ('Ankokugai no bijo', 1958).
  15. El actor Josh Hutcherson, popular por su papel en la saga 'The Hunger Games', ha debutado como director con el cortometraje 'Ape'. Se trata de un film de terror que narra la historia de un hombre que debe hacer frente a las alucionaciones que le atormentan desde la infancia para así poder hacerse cargo de su vida. El propio Hutcherson protagoniza la película junto a Savannah Jayde (de la serie 'Big Time Rush'), Rebecca Pidgeon ('La Serie Divergente: Leal') y Scott Patterson (de la saga 'Saw'), entre otros. 'Ape' forma parte del proyecto 'The Big Script', integrado por cinco cortometrajes en digital (entre ellos 'Ape', escrito por Jon Johnstone) cuyo objetivo es dar visibilidad al trabajo de nuevos cineastas con la vista puesta en lograr financiación para filmar su primer largo. Producido por Indigenous Media, CondéNast Entertainment y la productora de Hutcherson, Turkeyfoot Productions, el proyecto nace en colaboración con The Blacklist, que reúne y clasifica los mejores guiones no producidos que circulan por los despachos de los grandes estudios de Hollywood. "Cuando era niño me encantaba hacer películas con mis amigos, pero nunca me ponía delante de la cámara. Siempre me ha llamado dirigir películas y contar historias", afirma Hutcherson en una entrevista con Collider. El actor reconoce también que Jon Favreau ha sido siempre una especie de mentor para él desde que le conoció en el rodaje de 'Zathura: A Space Adventure' (2005): "Tenia 12 años y le dije que quería ser director y que me acababa de comprar una cámara. Me dio un montón de cintas y me dijo que grabara todo lo que me encontrara y que lo utilizaríamos como planos de recurso intercalados en el montaje. Siempre me abrigó bajo su ala, lo que fue muy cool".
  16. Ya nos hemos acostumbrado a ver a actores tratando de hacerse un hueco como directores. Ahora es Jared Leto quien anuncia que saltará a la dirección y lo hará con un thriller llamado '77'. '77' es un proyecto que lleva bastante tiempo tratando de realizarse. Su guión original lo escribió James Ellroy, responsable de 'L.A. Confidential' (Curtis Hanson, 1997), aunque la versión final ha corrido a cargo de David Matthews, guionista habitual de la serie 'Narcos' y 'Boardwalk Empire'. La película nos trasladará a Los Angeles en 1974, para contarnos la historia de dos oficiales de policía que, mientras investigan el asesinato de un compañero, se unirán para buscar a la famosa heredera Patty Hearst que ha sido raptada. Así, Jared Leto cambiará de disciplina, aunque parece que no tiene intención de abandonar la interpretación, y mucho menos desde que ganara el Oscar en 2014. Aunque este año no se le ha dado muy bien tras la decepción de 'Escuadrón Suicida', el próximo otoño le veremos en uno de los títulos más esperados del año: 'Blade Runner 2049' de Denis Villeneuve**.
  17. El actor Max Minghella prepara su debut tras las cámaras con Teen Spirit, una película que ha sido descrita como una especie de versión pop de la historia de Cenicienta, donde Violet, una chica de Europa del Este, sueña con convertirse en una estrella de la música para poder dejar su pequeño pueblo y su familia disfuncional. La inscripción en una competición internacional será la oportunidad deseada para mostrar su talento a la vez que pondrá a prueba su integridad y sus ambiciones. Minghella es también autor del guión de la película junto al también actor Jamie Bell, que ejercerá de productor ejecutivo. El proyecto estará producido por Fred Berger, productor de La La Land y The Autopsy Of Jane Doe. Mister Smith Entertainment será la encargada de presentar el proyecto en el inminente Mercado del Cine Europeo, que se celebra de forma paralela al Festival de Berlín, para encontrar compradores de derechos de distribución y con ello lograr buena parte de la financiación da la película. A Minghella lo hemos visto en películas como The social network, Art School Confidential y Ágora, entre otras. Con este proyecto sigue los pasos de su padre, el desaparecido Anthony Minghella, director de títulos como The English Patient o Cold Mountain.
  18. Kristen Stewart y Josh Kaye en Sundance. Kristen Stewart ha presentado en Sundance 'Come Swim', un corto experimental en el que ha utilizado un programa que permite prestar a los fotogramas del film el estilo de sus propias pinturas, porque Kristen es polifacética y también pinta. Se trata de una técnica llamada 'Neural Style Transfer', que la actriz ha detallado en un artículo muy serio cofirmado con dos neurocientíficos, y que ha utilizado sobre todo para las escenas de apertura y cierre de esta pieza de 17 minutos que básicamente habla, en términos de poética malickoniana, del dolor de un hombre (interpretado por el no profesional Josh Kaye) flotando en el mar. Se rumorea que la película también podrá verse en Cannes. No es este, claro está, el tipo de película con el que suele debutar tras la cámara un actor, pero Kristen, que siempre tiene una buena respuesta para todo, lo ha explicado así: “si me estrenado como directora con un proyecto tan complicado es porque soy un poco masoquista”. Y también ha anunciado que su carrera como directora no se para aquí. Ahora mismo está en negociaciones con la misma productora que 'Come Swim', Refinery29, para producir una película sobre el control de armas. Esta misma semana Kristen Stewart estrena 'Billy Lynn'.
  19. No siempre nos fijamos lo suficiente en los márgenes del cine estadounidense. En esas zonas bajo la sombra de los grandes estudios han nacido relevantes autores como Jeff Nichols. El cineasta procedente de Little Rock se ha distinguido como uno de los referentes del cine alternativo, siendo ya un habitual en las grandes citas cinematográficas. Un director ya consolidado, pero igualmente reivindicable. Los protagonistas de sus historias suelen ser outsiders guiados por los valores relativos a los vínculos familiares y afectivos. Desde náufragos sociales hasta niños con poderes sobrenaturales. Nichols todavía no ha sucumbido al mundo de doble filo de los blockbusters, aunque fue tentado para encargarse de 'Aquaman', por lo que todavía tenemos referente independiente para rato. En principio su próximo proyecto será el remake de 'Alien Nation', con la que abordará de nuevo el tema del racismo patente en nuestra sociedad. Con el objetivo de promover un nombre tan vital en el panorama actual como el de Nichols, epasamos su destacada filmografía: 1 'Shotgun Stories' (2007) El debut de Nichols se produjo con este thriller rodado en su Arkansas natal, donde un dividido grupo de hermanastros veía como sus facciones quedaban confrontadas. Como todo cineasta que se precie, Nichols supo captar el seco entorno en el que se movían sus personajes. En este caso, la profunda región sureña de Estados Unidos, con sus particulares costumbres que tanto distan de las ciudades costeras más diversas y conocidas. Aparte de su construcción formal y la complejidad de las relaciones familiares que expone, el factor vital de esta cinta es la presencia de Michael Shannon. El actor ya tenía a sus espaldas una carrera de 15 años, pero 'Shotgun Stories' supuso el pistoletazo de salida de su relación laboral más importante. 2 'Take Shelter' (2011) La relevancia de esa relación quedó contrastada con 'Take Shelter'. Shannon repetía como protagonista en la segunda película de Nichols, un trabajo que supuso un salto de madurez y de tremenda calidad. Su actor fetiche dio vida a un padre con ensoñaciones apocalípticas, que le llevaban a obsesionarse con crear un refugio para proteger a su familia. Esa esquizofrénica evolución del personaje daba lugar a una profunda reflexión acerca de los miedos internos y la fragilidad de las relaciones sociales, a diferencia de la firmeza de las familiares. Además, fue una de las películas que nos descubrió a Jessica Chastain en su glorioso 2011. 3 'Mud' (2012) Quizá el mejor trabajo del director. Con 'Mud', Nichols regresaba a Arkansas para componer un relato de corazones rotos, enamorados, o ambas cosas. Sus protagonistas eran dos niños intrigados por una barca en lo alto de un árbol, y Mud, el criminal que se escondía en ese inusual paradero. Diferentes edades y visiones del mundo colisionan, con los sentimientos siempre por delante, en esa incesante lucha de los niños por reunir a Mud con su amada. Tye Sheridan y Matthew McConaughey aunaron carismas para enriquecer a la producción, y Shannon hizo su particular aparición, en esta ocasión en un segundo plano. 'Mud' dio a conocer a Nichols definitivamente, y fue una prueba más de que su cine merecía ser sentido. 4 'Midnight Special' (2016) La incursión de Nichols en la ciencia ficción tuvo como resultado un drama familiar centrado en un niño con poderes sobrenaturales. 'Midnight Special' giraba sobre todo en torno a la convicción del padre por salvar a su hijo de una sociedad que ataca a lo que se sale de sus fronteras predefinidas. Una road movie cuya tensión viene dada por una continua persecución, promovida por la fijación de las fuerzas del Estado por dar caza a ese niño para experimentar con él. Se trata de una interesante mirada a un género muy manoseado, al que Nichols ha aportado su granito de talento. Aunque al final lo de menos son los poderes, ya que, para variar, son los elaborados lazos familiares y humanos los que llevan a la película a un nivel superior. 5 'Loving' (2016) Por último nos encontramos con 'Loving'. La segunda película de Nichols que ha competido por la Palma de Oro recoge eventos reales para denunciar la deplorable lacra del racismo. Sus protagonistas son los componentes del matrimonio Loving, Mildred y Richard, encarnados por Ruth Negga y Joel Edgerton, víctimas de una ley que prohibía los vínculos maritales interraciales en Virginia. La quinta película del cineasta, y su quinta colaboración con un Shannon que aparece menos tiempo que nunca en pantalla. Tras este ajetreado 2016 en el que ha estrenado dos películas, Nichols puede recibir algún elogio en la carrera de premios; entorno en el que ha pasado desapercibido por el momento, pero que no tardará en darse cuenta de que de los márgenes emergió un director espectacular.
  20. Este fin de semana ha llegado a las carteleras de Estados Unidos el nuevo trabajo como director de Mel Gibson, 'Hacksaw Ridge', y el cineasta se ha sometido a la habitual ronda de entrevistas para promocionar el estreno. Hablando con The Washington Post, Gibson ha tocado un tema donde se le considera un experto: la recreación de la violencia. 'Hacksaw Ridge' celebró su premiere mundial en el Festival de Venecia y la prensa destacó la brutalidad de la historia. Cabe recordar que está ambientada en la II Guerra Mundial y se centra en la batalla de Okinawa, una de las más feroces del conflicto bélico. El director ofrece su punto de vista y, de paso, ataca al estudio Marvel, que también acaba de estrenar 'Dr. Strange' en los cines norteamericanos: "La acción debe ser casi... no pretendo ser cruel al respecto, pero debe ser como un evento deportivo. Tienes que saber quién es quién, quiénes son tus protagonistas, quién está haciendo qué, hacia qué dirección de la pantalla va todo. En medio de eso, tienes que tener lo que aparenta ser un caos. Es un caos ordenado. Intento llegar a tu animal interior. Eso es todo. Eso es la guerra. Intento hacer una experiencia visceral, completamente emocional e inmersiva". "Hablando de la cuestión de la violencia, mira cualquier película de Marvel. Son más violentas que cualquiera de las que he hecho yo, pero en mis películas te preocupas por los personajes, lo cual hace que la violencia te importe más. Eso es todo lo que voy a decir." Según Mel Gibson, lo que hace Marvel con sus superhéroes es "violencia sin conciencia". Y se muestra cauto pero, si hubiera querido, también podría haberse referido a los espectáculos de Warner/DC; en Venecia se soltó más y dijo que 'Batman v Superman' le parece "un pedazo de mierda". No entró en detalles pero imagino que tampoco le convence la visión de la violencia de Zack Snyder. ¿Qué opinas de las declaraciones de Gibson? Recordemos que el autor de 'Braveheart' y 'Apocalypto' ya tiene entre manos su siguiente proyecto, una secuela de 'The Passion of the Christ' titulada 'Resurrection'.
  21. En el mundo del cine, como en todas las formas de ocio, hay personalidades peculiares, aunque estas suelen venir acompañadas de un gran talento. No sabemos si es el casi de Uwe Boll -tal vez sí, quién sabe-, pero de ser así, nunca lo ha demostrado, siendo el encargado de ponerse tras las cámaras sobre todo en muchas adaptaciones al cine de los videojuegos cuyo resultado ha sido mediocre en el mejor de los casos. Sin embargo, el director alemán ha dicho "basta", declarando que ya no gana dinero con el cine, aunque dicho de otra manera para maquillarlo. Fin a una carrera poco productiva "El mercado está muerto, ya no haces dinero en películas porque el mercado del DVD y el Blu Ray ha caído un 80% en los últimos tres años", aduce Boll como principal motivo de su abandono. "Esta es la verdadera razón, ya no me puedo permitir hacer películas. No puedo volver atrás a mis estudios porque he hecho tantas películas en mi vida que ya no puedo hacerlas cada vez más baratas. Es una verguenza. Sería feliz haciéndolas, pero ya no son viables económicamente". De hecho, tan mal lo vio Boll en los últimos años de su carrera que no tuvo más remedio que recurrir a la financiación masiva para sacar adelante algunos de sus proyectos. Ya el año pasado, su campaña en Kickstarter para financiar 'Rampage 3' acabó como tenía que acabar, sin éxito, y su enfado fue mayúsculo. "Principlamente quiero decir que os jodan a todos", dijo Boll en junio de 2015. "Para mi el crowdfunding está muerto. Adiós". Pero que nadie sufra por él. Boll regenta un restaurante en Vancouver llamado Bahaus, cuya actividad cesó momentáneamente para el rodaje de la mencionada 'Rampage 3: No Mercy', que obviamente, fue en vano. Uwe Boll, nacido en 1965 en la localidad alemana de Wermelskirchen, es un director sumamente galardonado... con varios premios Razzie. Hasta tres veces se ha hecho con el premio al Peor Director, por 'Tunnel Rats', 'In the Name of the King' y 'Postal', y es sumamente célebre por ser responsable de las peores adaptaciones al cine de franquicias de videojuegos. Despropósitos como 'Bloodrayne', 'Far Cry', 'House of the Dead' o la conocida 'Alone in the dark' llevan su sello, con lo que no parece probable que en el futuro próximo se le vaya a echar de menos. O sí, y es que su incontenible verborrea siempre ha dado mucho juego.
  22. La principal vinculación de Joss Whedon, creador de 'Buffy Cazavampiros', con al industria del cine en estos momentos es el Universo Cinematográfico Marvel. Whedon, que ha dirigido tanto 'Los Vengadores' como 'Vengadores: La era de Ultrón', busca ahora otro desafío, en esta ocasión en una saga aún más mítica. En una entrevista reciente, el director ha admitido que quiere dirigir una película de 'Star Wars'. "¿Quiero dirigir una película de 'Star Wars'? Claro. Antes decía que para qué, pero vi el tráiler de 'Rogue One: Una historia de Star Wars' hace un tiempo y dije, 'quiero hacer eso". Así lo ha asegurado Whedon en una entrevista a Complex. Eso sí, el director ha dejado clara su intención de hacer una sola y, tras ella, no tener vínculos con próximas películas de la saga. Por tanto, lo más lógico sería que Whedon se pusiera al frente de uno de los futuros spin-off de la saga. Como el de Han Solo ya tiene directores, Phil Lord y Christopher Miller, podría ser que su oportunidad llegara para la película ya anunciada para 2020, un proyecto que todavía se desconoce sobre quién será. Podría ser sobre Boba Fett o incluso sobre Obi-Wan Kenobi. ¿Marvel o DC? La entrevista también ha servido para que Whedon exprese su opinión sobre las distintas estrategias que están llevando a cabo Marvel y DC. A pesar de la implicación de Whedon en el Universo Cinematográfica Marvel, el director ha tenido buenas palabras para DC: "Es más cinematográfica, pero creo que Kevin Feige (presidente del Marvel) es un contador de historias realmente bueno. Él se preocupa por la coherencia y creo que el estilo nunca gana a la sustancia en Marvel".
  23. 19 Octubre 2016 Directores de Endesa declaran como testigos por caso de presunto cohecho La fiscal Ximena Chong interrogó a Enrique Cibié, Felipe Lamarca y Jorge Atton, ex subsecretario de Telecomunicaciones de Piñera. Ayer, Pedro Yaconi, ex recaudador de la campaña de Frei, entregó a la PDI antecedentes requeridos. Endesa rectificó sus pagos en 2015. La semana pasada llegaron hasta la Fiscalía Centro Norte dos directores de Endesa y un ex director. La razón: fueron citados a declarar en calidad de testigos por la fiscal jefa de la Unidad de Alta Complejidad, Ximena Chong, en el marco de la investigación que se abrió por presunto cohecho internacional en contra de la firma. La causa se inició luego de que la Fiscalía Contra la Corrupción y la Criminalidad Organizada de España hiciera un requerimiento internacional a Chile, pidiendo una serie de antecedentes sobre la compañía en relación a este ilícito. Los altos ejecutivos interrogados por Chong fueron los directores Enrique Cibié, ex presidente del directorio de Farmacias Ahumada; Jorge Atton, ex subsecretario de Telecomunicaciones del gobierno de Sebastián Piñera, y el ex director de Endesa, Felipe Lamarca, actual presidente del directorio de Ripley. Según fuentes de la investigación, los tres fueron consultados sobre los eventuales pagos irregulares a Personas Expuestas Políticamente (PEP), rectificados en junio de 2015 por la generadora eléctrica ante el Servicio de Impuestos Internos (SII). De acuerdo a lo que informó Endesa el año pasado, mediante un comunicado, el monto corregido ante el SII ascendió a $ 276 millones por pagos realizados entre 2012 y 2015, argumentando que carecerían de respaldos suficientes para justificar el gasto. La decisión se fundamentó en un informe encargado al estudio Cariola, Diez, Pérez-Cotapos. Así, el objetivo de los interrogatorios fue que los directivos pudieran identificar quiénes fueron las personas o la persona que contrató y autorizó los servicios que fueron rectificados. Las respuesta de los tres, indicaron las mismas fuentes, fue que no sabían quién o quiénes fueron los responsables de dar curso a estos pagos cuestionados. Entre los pagos rectificados por Endesa el año pasado figuran las empresas del recaudador de campañas presidenciales de la Nueva Mayoría, Giorgio Martelli; del abogado y yerno de Eduardo Frei y ex recaudador de su campaña presidencial, Pedro Yaconi, y del ex senador de RN Ignacio Pérez Walker. Consultados respecto de las declaraciones entregadas por los ejecutivos, desde Enel Generación (ex Endesa Chile) dijeron que “reiteramos nuestra disposición y colaboración con las autoridades”. Contactado Rodrigo Zegers -socio del estudio Rivadeneira, Colombara, Zegers & Compañía, que asesoran legalmente a la empresa-, declinó referirse al tema. En tanto, respecto del requerimiento internacional por el cual comenzó este caso, el fiscal regional Centro Norte, Andrés Montes, dijo que “respondimos el requerimiento de asistencia internacional el 22 de septiembre. En el oficio damos cuenta de las diligencias solicitadas en mayo pasado”. Incautaciones de la PDI Ayer, funcionarios de la Brigada de Delitos Funcionarios (Bridef) Metropolitana de la PDI llegó a las 9.45 a la oficina de Yaconi, ubicada en la calle Isidora Goyenechea, en Las Condes. El objetivo de la diligencia era requerir de forma voluntaria los respaldos contables de los pagos realizados por Endesa al ex recaudador de la campaña de Frei, junto con los informes que había realizado a cambio de estos pagos y los correos electrónicos donde se detallan reuniones entre ejecutivos de la eléctrica y la empresa de Yaconi, C2P. Al respecto, el abogado de Yaconi, Francisco Cox, dijo que “hoy (ayer) tuvimos una reunión con los subcomisarios de la Brigada de Delitos Funcionarios y les entregamos más de 102 informes, los contratos y los antecedentes que le fueron entregados por parte de Endesa a Yaconi para que pudiera hacer el trabajo, como las aprobaciones ambientales”. Explicó que Yaconi también prestó asesorías verbales a la compañía, por lo que le pidió a la PDI que requirieran a Endesa los registros de entrada de su cliente, “toda vez que tuvo múltiples reuniones en Endesa, donde se les dio asesoría. Les dimos los nombres de quienes eran la contraparte de los servicios prestados”. El abogado agregó que “seguimos sin entender la razón por la cual Endesa nos puso en esta situación, que daña la imagen de mi representado y dejó de contestar dos cartas en las cuales nosotros les ofrecimos estos antecedentes”. Cox señaló que le pidió una citación a declarar a la fiscal Chong, pero que aún no les dan fecha. En tanto, Claudio Pavlic, abogado de Martelli, agregó que “entregamos (el lunes) de forma voluntaria la información respecto de los trabajos que se realizaron para Endesa”. Detalló que se entregaron a la policía contratos, informes y minutas de reuniones. Pavlic añadió que “no hay ningún problema para que se entregue la información mediante una declaración acerca de las consultas que pueda estimar la fiscal”. Según fuentes ligadas al caso, Pérez Walker también habría entregado la misma información a la PDI. Fuente: http://www.latercera.com/noticia/directores-endesa-declaran-testigos-caso-presunto-cohecho/
  24. El pasado viernes, la American Cinemateque concedió el galardón de reconocimiento a Ridley Scott por toda su carrera. Matt Damon fue el maestro de ceremonias, fue el encargado de darle el premio al director. Durante la noche, los actores Sigourney Weaver y Russell Crowe hablaron sobre sus experiencias trabajando con Scott (la primera en 'Alien', el segundo en 'Gladiator'. El director, de 78 años de edad se está encargando de la próxima entrega de Alien, 'Covenant' (ya en postproducción y prevista para 2017), y tiene en su haber cintas como 'Thelma y Louise', 'Prometheus', 'Exodus' o 'Blade Runner', de la cuál Denis Villeneuve prepara la secuela. En su discurso de agradecimiento, el director comentó que nunca fue muy buen estudiante y fue un profesor quien le sugirió que fuera a la escuela de arte. Scott asistió a la Royal College of Art y estudió cine. Allí se dio cuenta de que "su poder era visual”. Además del cine ha desarrollado una carrera paralela en la publicidad, donde cuenta con más de 2000 spots. Muchas fueron las personalidades de la industria que acompañaron al realizador en el Beverly Hilton. Además, actores como Harrison Ford, Michael Douglas y otros enviaron saludos a Scott en un video que fue presentado por Kristen Wiig.
  25. Ron Howard es un tipo que cae bien automáticamente. Toda la industria habla maravillas de él, de su humildad, generosidad y compromiso a la hora de contar historias, aceptando rutas marcadas y clausulas firmadas con mano firme. Para los espectadores, es un valor seguro a la hora de ver películas rodadas con talento, sin demasiado aspavientos ni trucos fáciles, aseadas, conjuntadas, dispuestas para su disfrute. En el terreno de los artesanos, es decir, aquellos cineastas capaces de rodar cualquier tipo de película sin aportar nada especialmente relevante, pero sin dejar de ser efectivos en cualquier momento, él es uno de los más grandes. Analizando su trayectoria, mucho más variada de lo que pueda parecer, nos encontramos con un director que, en sus mejores momentos, aquellos que vamos a repasar a continuación, ha demostrado ir un paso más allá. En sus trabajos más redondos, Howard conseguía transmitir un nervio y una contundencia a prueba de balas. Se trata de obras en las que todo funciona a pleno pulmón, todo está medido, todo está en su sitio, nada se tambalea. La recompensa está a salvo y los espectadores somos cómplices directos. A punto de cumplir cuatro décadas en la industria, Ron Howard se ha atrevido con géneros tan dispares como el biopic más académico, la aventura familiar, emotivos dramas, thrillers frenéticos y, por encima de todo, hechos históricos recreados con pulso de hierro. A continuación, repasamos esos ocho trabajos que deben tener prioridad a la hora de descubrir la obra de un cineasta que, sin inventar nada nuevo, encontró un lugar ilustre dentro de esa jungla llena de fieras despiadadas llamada Hollywood. 1 'Willow' A pesar de que quedaban solamente dos años para que la década de los 80 dijera adiós, Hollywood tenía todavía fuerzas para plantar unos cuantos clásicos generacionales. Entre ellos, 'Willow' fue uno de los más destacados, esencialmente por lo inesperado de su éxito entre todo tipo de espectadores. Y es que, este cuento medieval de George Lucas ambientado en un universo de brujas, hechizos y princesas se ajustaba a la perfección a Ron Howard quien entregaba una dirección tan apasionado como cómplice con el género. La película, lejos de ser el éxito esperado en taquilla, en la que se enfrentaba nada más y nada menos que a La Mejor Película Familiar De La Historia, 'E.T.', consiguió su salvación económica gracias al vídeo doméstico, convirtiéndose en una de esas cintas que siempre estaban alquiladas en el videoclub más cercano. Pese al empeño de sus múltiples fans, 'Willow' nunca ha tenido esa secuela tan esperada, algo de lo que aún no nos hemos librado cien por cien pero que, de momento, nos sirve para seguir disfrutando sin miedo de una aventura para toda la familia llena de encanto. 2 'Apolo 13' Durante MUCHOS meses en la carrera hacia el Oscar a Mejor Película del año 1995, 'Apolo 13' parecía la gran favorita, un rival imbatible que, además, contaba con el respaldo de los tres gremios más importantes de la industria: SAG (Actores), PGA (Productores) y DGA (Directores). Sin embargo, algo extraño ocurrió en la última etapa, en el último giro, haciendo que la Academia terminara rendida ante 'Braveheart', la cual era, por otra parte, mucho superior. De esta forma, la película de Howard, que tenía todos los elementos para alzarse con el triunfo, terminó conformándose con dos tristes estatuillas: Mejor Sonido y Mejor Montaje, pobre balance final. Pero, más allá de los premios, 'Apolo 13' continúa siendo hoy otro ejemplo de lo que es, sencillamente, una buena película comercial. Pese a estar rodeada de cursilería, la visión cinematográfica que aporta el cineasta a la misión espacial que tuvo al mundo entero en vilo en 1970 tiene todos los elementos necesarios para agradar al espectador, emoción, suspense y acción bien medida. No hay nada memorable en ella, pero no deja de ser un producto notable en todos sus apartados. 3 'The Beatles: Eight Days a Week' La objetividad, en ocasiones, es especialmente escurridiza. Para todos aquellos que hemos crecido, y seguimos haciéndolo, con la música de los Beatles como imprescindible compañía, 'The Beatles: Eight days a week', el reciente documental de Ron Howard sobre los años de gira que convirtieron al cuarteto de Liverpool en fenómeno social histórico aporta pocas sorpresas. Los beatlemaniacos somos así, llevamos tantos años empapándonos con curiosidades, libros, películas, documentales, artículos y todo lo que caiga en nuestras manos sobre los Fab Four que, a estas alturas, pillarnos desprevenidos es más que complicado. Sin embargo, Howard adapta con inteligencia sus mejores virtudes en el mundo de la ficción a un documental que se devora con indudable gusto, que transmite mucha de la magia Beatle y que, en sus mejores momentos, consigue emocionar. Ayudan, claro, las canciones de los mayores genios de la historia del pop, pero esa es una carta que venía dada de antemano y que el cineasta sabe usar con talento. Y todos contentos. 4 'Rush' Tras caer al punto más bajo de su carrera con la lamentable comedia 'The Dilemma' y levantar tímidamente el vuelo con el documental sobre el festival de música 'Made in América', Ron Howard nos pilló a todos desprevenidos, por desgracia a la Academia también, con 'Rush', fabulosa adaptación a la gran pantalla de la apasionante relación entre los pilotos de fórmula 1 James Hunt y Niki Lauda. Una trepidante película en la que el director se metía de lleno en una historia repleta de emoción, competitividad, drama, éxitos y fracasos, lanzándonos en medio de vibrantes carreras que nunca dejaban de pisar el acelerador. Pocas veces se ha visto a Ron Howard tan acertado en sus movimientos de cámara, pocas veces una de sus propuestas ha transmitido tanto cine en cada una de sus escenas, pocas veces se ha reflejado con tanta contundencia y talento el universo que rodea este deporte y que, al mismo tiempo, forma parte esencial de su naturaleza. Una de las cimas indiscutibles de su carrera. 5 'A Beautiful Mind' Y al fin, los Oscar. Era cuestión de tiempo que un cineasta como Ron Howard terminara con las estatuillas de Mejor Director y Mejor Película en sus manos. Algunas más, otras menos, pero todas sus propuestas, o la inmensa mayoría de ellas, son de un academicismo evidente, pulcras y alejadas de riesgos que pudieran poner en serio peligro a la taquilla y al gusto del espectador que va al cine en ocasiones contadas. Así, gracias a la biografía de John Forbes Nash, Howard planteaba un sólido drama con puntuales toques de thriller psicológico que desprendía un aroma a estatuilla que, en sus peores momentos, era demasiado evidente, molesto. Pese a estar nominada con cuatro películas que eran muy superiores a ella, 'El señor de los anillos: La comunidad del anillo', 'Gosford Park', 'En la habitación' y 'Moulin Rouge', 'A Beautiful Mind' era la opción menos arriesgada, menos polémica. Y en esa neutralidad, en esa capacidad para gustar a la inmensa mayoría reside su indiscutible virtud principal. 6 'Cinderella Man' Puede ser casualidad, o no, pero lo cierto es que pocos directores se han encontrado tan cómodos, y han obtenido resultados tan positivos, como Ron Howard en el siempre peligroso terreno de las películas basadas en hechos reales. En esta ocasión, y tras probar suerte en el género western con la curiosa 'Desapariciones', el cineasta se acerca en 'Cinderella Man' a la historia de James J. Braddock, un boxeador retirado que decide volver al cuadrilátero en plena época de la Gran Depresión para salvar a su familia de una situación bastante delicada. Acompañado de nuevo por un estupendo Russel Crowe, y con Paul Giamatti robando planos a diestro y siniestro, Howard entrega un drama visualmente impecable, rodado con sabiduría, sin estridencias, siempre jugando sobre seguro, anclado en una zona tan saludable como el clasicismo bien entendido. Una película a la que es realmente complicado encontrarle un 'pero'. Ni falta que hace. 7 'Cocoon' Tras alcanzar su primer gran éxito en la taquilla con la simpática 'Splash', con la que recaudó más de 69 millones de dólares solamente en Estados Unidos, Ron Howard se entregó en cuerpo y alma a 'Coccon', pequeña joya de culto en la que un grupo de ancianos que viven en una residencia descubren la fuente de la eterna juventud. Un punto de partida que puede sonar ridículo pero que el director estadounidense enfoca desde la ternura y el cariño total hacia sus encantadores personajes, otorgando a la película una capacidad para la emoción que, a priori, no se esperaba. Un trabajo de orfebrería que desprende una sencillez y humildad cautivadora y que, varias décadas más tardes desde su estreno, sigue siendo una de las propuestas más interesantes y entrañable en la carrera del director. Conviene rescatarla más a menudo. 8 'El desafío: Frost contra Nixon' Hay que decirlo cuanto antes y eso que dejamos resuelto desde el principio: 'El desafío: Frost contra Nixon' es la mejor película de la carrera de Ron Howard. Y, además, con diferencia. Tras reventar taquillas de todo el mundo y recibir las peores críticas de su carrera con la adaptación cinematográfica de 'El código Da Vinci', Howard se lanzó de lleno a una de esas historias que, sea en el formato que sea y la descubras en el momento en el que la descubras, consigue ser automáticamente apasionante. Tras mantener un silencio de tres años desde su salida de la Casa Blanca, Richard Nixon concedió una entrevista en 1977 para hablar sobre su mandato y, claro, analizar el caso Watergate. La cuestión es que el periodista escogido, David Frost, era la opción menos obvia y más sorprendente de todas las posibilidades, entendiendo que lo que buscaba el ex presidente era un contrincante lo más asequible posible. Sin embargo, el comunicador británico puso contra las cuerdas a Nixon hasta llevarlo al extremo de la disculpa. Un acontecimiento histórico que, primero, se convirtió en obra de teatro de la mano de Peter Morgan y que, finalmente, se elevó a las alturas gracias a Ron Howard. Todo en su película está narrado con nervio, genio, inteligencia. Una propuesta que se devora, que arrasa con las expectativas, que convierte a Howard en una especie de Frost, alguien de quien en ese momento no se esperaba gran cosa y que, finalmente, se alzó con una victoria (cinematográfica) de las que marcan una carrera.
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