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[Topic Oficial: 70º Festival de Cannes 2017] Todas las noticias aquí. ¡Hay polémicas ya y Netflix es el centro!

Cannes 2017 Festival Cine

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7 respuestas a este tema

#1
Payasso

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Netflix divide al jurado de Cannes: Pedro Almodóvar y Will Smith defienden posiciones contrarias

 

El pasado 17 de mayo arrancó el Festival de Cannes, el certamen cinematográfico más importante del planeta. La 70ª edición promete ser muy especial, tanto por las películas y las estrellas como por las polémicas que empezaron a salpicar al festival incluso antes de iniciarse. Y ya desde su primera jornada no ha decepcionado.

Durante la rueda de prensa que ha reunido al jurado, presidido por Pedro Almodóvar, un periodista planteó la inevitable cuestión de Netflix; recordemos que Cannes ha modificado su normativa para que, a partir de 2018, sólo las películas que tengan distribución cinematográfica puedan optar a la Palma de Oro (es decir, un aviso a Netlix y otras plataformas que no apuestan por las salas de cine). Esta controversia ha puesto en evidencia una división en el jurado...

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Cabe señalar que en la sección oficial de este año hay dos largometrajes de Netflix que en principio no se estrenarán en los cines franceses, 'Okja' de Bong Joon-ho y 'The Meyerowitz Stories (New and Selected)' de Noah Baumbach, dos títulos que bajo la nueva normativa no podrían competir por la Palma de Oro. Almodóvar apoya esta nueva política del festival y afirma que siempre prefiere el cine en pantalla grande. Sus rotundas declaraciones:

 


"Estas plataformas digitales, estas nuevas formas, no deberían sustituir a otras existentes como las salas de cine. Bajo ninguna circunstancia, deben cambiar los hábitos de los espectadores. La única solución que se me ocurre es que acepten y obedezcan las reglas que ya son adoptadas y respetadas por todas las cadenas existentes. Creo que ésta es la única manera de que sobrevivan porque, personalmente, no concibo dar la Palma de Oro o cualquier otro premio a un film que no pueda ver en una pantalla grande".

Por su parte, Will Smith ha salido en defensa de Netflix, algo que en cierto modo resultaba previsible ya que tiene pendiente de estreno 'Bright', una de las grandes apuestas de la cadena para este año. A continuación dejo las palabras de la estrella:

 


"Tengo en casa a jóvenes de 16, 18 y 24 años. Van al cine un par de veces a la semana y ven Netflix... No sé en otros hogares, pero en mi casa Netflix no ha tenido absolutamente ningún efecto en lo que van a ver al cine. Van al cine para maravillarse ante ciertas imágenes y hay otras películas que prefieren ver en casa. No es que irían al cine si no estuvieran en Netflix. Son dos formas completamente diferentes de entretenimiento.

En mi casa, Netflix no ha sido nada más que un absoluto beneficio porque pueden ver películas que no habrían visto de otro modo. Son películas que no están disponibles en salas de cine en un radio de 8.000 millas [12.874 km]. Y ahora encuentran a esos artistas, pueden verlos online y toman contacto. En mi hogar, no ha hecho otra cosa que extender el conocimiento cinematográfico global de mis hijos."

 

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#2
Payasso

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Sensacional tráiler de 'Okja', la polémica película de Bong Joon-ho y Netflix que compite en Cannes

 

Antes de su esperada presentación en el 70º Festival de CannesNetflix ha presentado el tráiler completo de 'Okja', lo nuevo de Bong Joon-ho. Es un drama fantástico cuya historia gira en torno a una gran compañía que quiere arrebatar a una niña su mejor amigo: un animal adorable. El adelanto promete emoción, humor y espectáculo, como cabía esperar del director coreano.

Netflix estrena 'Okja' en exclusiva y en todo el mundo el 28 de junio. Este hecho ha provocado una fuerte polémica en Cannes: podría ser la primera y la última ganadora de la Palma de Oro que no tiene una tradicional distribución cinematográfica. Pedro Almodóvar, presidente del jurado, ya ha dicho que no va a pasar pero quizá cambie de idea después de verla...

 

 

'Okja' es el segundo trabajo en inglés de Bong Joon-ho, famoso por dirigir la influyente 'Memories of Murder' (2003), el éxito 'The Host' (2006) y la aclamada adaptación al cine del cómic 'Rompenieves' ('Snowpiercer', 2013). Tilda Swinton, Jake Gyllenhaal, Paul Dano, Lily Collins, Giancarlo Esposito, Steven Yeun y Ahn Seo-hyun lideran el estupendo reparto de su nueva película, que inevitablemente recuerda a 'E.T' (1982).

El guion lo ha escrito el cineasta en colaboración con Jon Ronson, de quien cabe destacar dos extravagantes comedias: 'Los hombres que miraban fijamente a las cabras' ('The Men Who Stare at Goats', 2009) y 'Frank' (2014). A continuación dejo también el llamativo póster de 'Okja':

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#3
Payasso

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Guerra abierta entre el Festival de Cannes y Netflix

 

«Okja», del coreano Bong Joo-ho, opta a la Palma de Oro, pero no se estrenará en cines. Su emisión, interrumpida por problemas técnicos, recibió abucheos

 

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En el día en favor de las especies en extinción se presentó en el 70 Festival de Cine de Cannes la primera película de su historia que no se estrenará en los cines. Netflix, la plataforma que ofrece su contenido a través de la red para consumir en formatos digitales, aterriza con dos filmes: «Okja» y «The Wiyanowitz Stories»provocando un aluvión de críticas con su presencia.

 

En el pase oficial de «Okja» a la prensa hubo de todo: fallos técnicos, abucheos, gritos y, al final, aplausos. Fue una experiencia comunal que parecía escrita por la mente de algún retorcido guionista de Hollywood. Los miles de periodistas acreditados en el festival vivieron la experiencia que Netflix niega a sus espectadores. Una oleada de abucheos recibió los primeros compases del filme y, mientras Tilda Swinton hablaba en una escena, docenas de críticos pataleaban ante un filme que no estaba emitiéndose con la resolución correcta. El desconcierto se adueñó de los presentes cuando se canceló la emisión para volver a empezar, diez minutos después, sin ningún problema. El Festival de Cannes no tardó en emitir un comunicado. «El incidente se debió por completo al equipo técnico del festival, el cual se disculpa profundamente con el director y su elenco, con los productores y con la audiencia».

 

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Una disculpa que se suma al debate provocado de si Netflix debía o no estar en Cannes. «Vamos a ser honestos, hay miles de películas en Cannes que no se van a estrenar en el cine. Es un tema realmente interesante, pero hay espacio para todos», dijo Tilda Swinton durante la rueda de prensa posterior al pase. La actriz, algo irritada, recordó la polémica surgida a raíz de que Pedro Almodóvar, presidente del jurado este año, comentase que no se veía dando galardón alguno a cualquiera de las producciones de la plataforma de distribución en línea. «La verdad es que nosotros no hemos venido a por ningún premio. Estamos aquí para mostrar el filme en el festival. Tenemos la maravillosa oportunidad de traer nuestra cinta». A su lado, el actor Jake Gyllenhaal defendía también la causa de «Okja». «Es una bendición lograr que el arte dé alcance al menos a una persona, especialmente en los tiempos que vivimos. Nos vemos inundados de tanta información, a veces verdadera, a veces no, que debemos agradecer la expresión artística en cualquiera de los formatos en que la recibimos».

 

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El director del filme, Bong Joon-ho, quitó hierro al asunto. «Estoy feliz de que haya habido un problema técnico, a la audiencia no le ha quedado más remedio que ver dos veces la primera escena». El cineasta coreano se defendió de los comentarios de Almodóvar, a quien no le parece justo que opten a la Palma de Oro películas sin distribución en cines. «Soy un gran admirador de Pedro. El simple hecho de que hable de mi película, aun en términos negativos, me parece bien».

La cinta narra la historia de cómo una niña, Mija, intenta proteger a su mejor amigo, un cerdo gigante llamado Okja, de una multinacional. Le ayudan los miembros del Frente de Liberación Animal. «Soy de los que cree en la bondad de la gente», admitió el cineasta. Un artista que, sin duda, va a provocar una intensa migraña a Almodóvar a tenor de las fabulosas críticas que está recibiendo la película. «El filme tiene un mensaje político ecológico que habla de la situación en mi país, que en los últimos meses ha rodado hacia el pasado», comentó Gyllenhaal en clara alusión a la administración Trump.

Los hipsters de Netflix han robado el protagonismo a las estrellas de Hollywood. Hoy aterrizaron con «Okja». Mañana lo harán con «The Meyerowitz Stories», protagonizada por Adam Sandler y dirigida por Noah Baumbach. Los tiempos cambian, la era digital se impone y la virtual se encuentra a la vuelta de la esquina, mientras los cinéfilos de la vieja escuela luchan en Cannes por mantener viva la experiencia comunal. «La Palma de Oro debería entregarse a un filme que se haya estrenado en las salas. Estoy abierto a celebrar las nuevas tecnologías; sin embargo, mientras viva, pelearé por el hipnótico hechizo que provoca el cine en el espectador», dijo Almodóvar. Aunque no todos están de acuerdo, Will Smith apoya a Netflix, lo mismo que Isabel Huppert, Brad Pitt, productor de «Okja», o sus protagonistas: Tilda Swinton y Jake Gyllenhaal.

 

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Ante el desproporcionado conflicto generacional, las autoridades de Cannes han anunciado que el próximo año no se van a incluir películas que no garanticen una distribución tradicional. Netflix, que ha ofrecido mostrar sus producciones temporalmente en las salas, se niega a dejar pasar tres años para poder estrenar sus títulos en la televisión francesa, tal y como exige su legislación. Para solucionarlo, el nuevo presidente de la República, Emmanuel Macron, anuncia que se compromete a revisar la ley.

Netflix quiere audiencia y premios, y Cannes resulta la ventana perfecta para lanzar su artillería sobre los millennials de todo el mundo. Pero la compañía no está dispuesta a presentarse a cualquier precio y anuncia que es probable que no regresen en 2018. En el día dedicado a las especies en extinción, el cine, la experiencia comunal en la sala a oscuras; sus risas, abucheos y aplausos, en definitiva, lo que hemos vivido hoy con «Okja», podría estar en vías de desaparecer.



#4
SpookyMulder

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Me parece ridículo que veten a Netflix de la Palma de Oro, es un pensamiento retrógrado.
En vez de segregar, tienen que adaptarse a los tiempos :atroz:


#5
Payasso

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Adam Sandler es la sorpresa del Festival de Cannes

Contra todo pronóstico, el actor casi siempre nominado a Peor actor, dio la sorpresa con un filme que compite por la Palma de Oro del festival francés

 

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Aunque cuenta con miles de seguidores y es un popular comediante, el actor Adam Sandler,  no es asiduo a los festivales de cine y más de una vez, ha sido duramente criticado por sus interpretaciones. Pero de alguna forma ha reconocido sus desaciertos y dijo a la prensa en la edición 70 del Festival de Cannes, que en lo primero que pensó con su última cinta fue "que no quería decepcionar a nadie".

Sin embargo, sorprendiendo a propios y extraños, la película The Meyerowitz Stories en la que es hijo en ficción del célebre Dustin Hoffman, ha recibido las mejores opiniones de los críticos del festival.  Incluso, para algunos, Sandler debería ser favorito a ganar a Mejor actor. 

 

"Sigue siendo enormemente frustrante cuán grande puede llegar a ser Adam Sandler cuando éste no está haciendo películas de Adam Sandler", opinó el medio especializado Indiewire y  The Wrap utilizó la ironía para resumir la carrera del actor, tantas veces nominado a los 'Razzie' a Peor actor. "!Wow! Adam Sandler realmente podría pertenecer a Cannes".

 

La película The Meyerowitz Stories, no es una comedia.  Gira en torno a la vida de una artista y su familia disfuncional, Sandler es un hombre desempleado que vive a la sombra de su exitoso hermano, interpretado por Ben Stiller. 



#6
Fran

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podrían poner la lista de películas exhibidas o que están participando por prr :comadre: 



#7
Payasso

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PELICULAS MÁS IMPORTANTES ESTRENADAS HASTA AHORA:   'Blade of the Inmortal', de Takashi Miike

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Takashi Miike celebra la llegada de su centésima película (no confundir “película” con largometraje estrenado en cines) con una ficción en la que en sus primeros minutos se da sepultura a más de cien hombres a base de mandobles.

El artesano japonés no iba a salir de su zona de confort a estas alturas y Blade of the Inmortal, adaptación a la gran pantalla de un manga de samuráis sin apego por el rigor histórico, es un mercadillo de casquería, personajes videojueguiles, salidas de tiesto narrativas y pringue rojo. Como era de esperar.

Aunque la película puede ser plomiza en las partes en las que se toma argumentalmente en serio a sí misma, mentiríamos si dijéramos que no hemos disfrutado con esa concatenación de bosses a cada cual más ridículo.

 

'Ismael’s Ghosts', de Arnaud Desplechin

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El conflicto llega en forma de fantasma del pasado para una pareja madura en pleno proceso de sedimentación vital. La esposa largamente añorada y casi olvidada de un director de cine vuelve veinte años después para reabrir unas heridas que ahora se vuelven múltiples y desconcertantes, tanto como los infinitos recursos formales con los que Arnaud Desplechin pretende saturar una narración que, como nos quiere decir, en el fondo es tan absurda e irracional como la vida misma.

Mathieu Amalric, Charlotte Gainsbourg y Marion Cotillard están a la altura de una obra que ambiciona en múltiples categorías teóricas, pero en la que ninguna de ellas brilla lo suficiente como para fijar un sentido que la ayude a alzarse como propuesta memorable.

 

'Loveless', de Andrey Zvyagintsev

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Andrei Zvyagintsev confía en su propia marca y repite el esquema de las obras que le ganaron el reconocimiento de los expertos.

El problema es que, mientras en Leviatán, su película más reciente, tenía su dedo acusador apuntando a los de arriba, ahora plantea la dirección contraria. El armazón moral ruso se ha desmoronado y lo sustituye ahora una indolencia e individualismo generalizado, condiciones que afectan al matrimonio protagonista: un hombre pasmado y una mujer ególatra que son capaces de hacerle creer a su hijo que es un estorbo.

Por la diferencia de amplitud en la recepción del mensaje (ya no son unos pocos, sino el 99%) es también natural que nos parezca que se trata menos de una ácida crítica de la realidad de un país a un mero sermón de cura timorato.

 

'Wonderstruck', de Todd Haynes

 

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Wonderstruck explora el estallido prepúber de atracción por los temas universalmente fascinantes, representados aquí en los gabinetes de curiosidades y en el propio escenario de recreo cultural que ha sido siempre Nueva York.

Todd Haynes nos cuenta la historia de una niña sordomuda de los años 20 (a la que veremos con banda sonora clásica y en blanco y negro) y un jovenzuelo de los 70 (en color y con retumbos funkys) cuyas vidas parecen sincronizadas en distintos arcos de tiempo.

Pero todo este interesante punto de partida, que se dignifica con un discurso fílmico sobre la sordera y la importancia del acompañamiento sonoro en el cine silente, se queda como una obra deforme que no logra equilibrar sus otras dos caras: la de un director que ha luchado tanto por ampliar el catálogo de películas inmunes al cinismo y la de una convencionalidad narrativa con voluntad de retorno económico en taquilla.

 

‘Visages Villages’, de Agnés Varda

 

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Agnes Varda se busca un compañero de viajes, el fotógrafo y realizador de stickers graffiteros JR, y juntos crean un clima de retroalimentación creativa mutua, cada uno en su campo de trabajo.

La base para el experimento será el intento de iluminar la vida de los ciudadanos de los distintos pueblos que descubran en una azarosa road movie. Los que conozcan las películas documentales de la directora sabrán que su mirada, que es lo mismo que sus actos reflejados en las películas, está profundamente impregnada por un afán lúdico y también de dignificación de las personas corrientes. Toda vida cuenta, en ambos sentidos del término.

Varda, inteligentísima, da pistas sobre una posible teoría sobre cómo el paso del tiempo cambia nuestra visión de las cosas, pero parece querer decirnos que las reflexiones sesudas de este calibre pueden quedarse en mera polución estéril. Mucho mejor: gracias a las cariñosas peleas de la pareja y a las distintas salidas ingeniosas de sus tributos personalizados se prende la llama del calor humano en nuestros corazones.

 

‘Un beau soleil intérieur’, de Claire Denis

 

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Si creías que la peor representación de las batallas en el terreno de la seducción la habían encarnado las protagonistas de Girls, espera a ver lo que te tiene preparado Claire Denis. La propia directora ha explicado en el coloquio postvisionado sobre Un beau soleil intérieur que no creía que hubiese realizado una comedia, pero que aceptó tras las primeras reacciones esa dimensión de un filme que provoca numerosas carcajadas y movimientos incómodos en la butaca en unos espectadores que ven (vemos) muy cercanas algunas de las situaciones que protagoniza Juliette Binoche. Una divorciada en sus largos cuarenta teme no volver a encontrar el amor, y los pretendientes, una batería de detestables intelectuales excéntricos, no se lo ponen nada fácil.

Pese a que Denis fallase a la hora de alcanzar el tono de lo que quería contar, esta es una estimulante y delicada dramedia gravitada en torno a sus diálogos. Un éxito más en una carrera llena de triunfos de una cineasta que aquí se aventura por un territorio hasta ahora desconocido en su cine.

 

 

‘The Square’, de Ruben Östlund

 

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La instalación de arte contemporáneo llamada The Square/The-Square-la-película va exponiendo en sus secciones diversas piezas/secuencias que giran en torno al problema de la confianza y la elusión de la culpa entre los adultos que se creen a sí mismos intocables.

The Square/The-Square-la-película tiene tantos filones significantes como los que tú quieras recoger para elaborar tu propia interpretación del ensayo fílmico del sueco Ruben Ostlund, que mete tantos gags de torpeza social a la nórdica como trágicos golpes de efecto. Pero esta amplitud del scope no disimula una necesidad última de provocar en nosotros un desconcierto, una llamada de atención no tanto sobre el tema de la instalación como sobre la altura de miras del que sujeta el foco desde lo alto.

 

 

'Le Redoutable', de Michel Hazanavicius

 

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Hazanavicius ha conseguido, a su manera, darle lo que quería a todos los distintos públicos que pueden estar atentos a lo que hace.

Por una parte, los que se sientan horrorizados por la idea de que el director de The Artist se haya atrevido a hacer un biopic de Jean-Luc Godard podrán dejar fluir su ira ante la malversación de las reconocibles técnicas de cámara del de la nouvelle vague, pudiendo también ofenderse, si gustan, por la reducción al mínimo que se hace del pensamiento vital y fílmico del que hacía gala el revolucionario cineasta francés.

Por la otra, los que amaran el homenaje pop del cine silente en la oscarizada película de Hazanavicius se lo podrán pasar de lo lindo disfrutando de una comedia ligera (ligerísima) donde podrán señalar en pantalla los momentos que homenajea de las películas más famosas de Godard para acabar con un mensaje indulgente: “no pasa nada si nunca entendiste su cine. La culpa era de él, que nunca quiso salir de su propio ombligo. Por suerte me tienes a mí”.

 

'Las hijas de Abril', de Michel Franco

 

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Michel Franco parece querer decir que lo único que le importa en su cine es la sucesión de golpes de efecto. De mostrarle a los espectadores un dispositivo que va poco a poco revelando la información necesaria para entender lo que vemos en pantalla. Algo así como si cogiéramos una telenovela y la convirtiéramos en procedimental, metiendo a unos buenos actores y una planificación de las escenas decente.

Sin embargo ese descuido en la puesta en escena, esas imágenes que, pese a su ejecución correcta, no logran trasmitir el estatus de autor que los festivales le han conferido al realizador mexicano, hace que Las hijas de Abril no esté a la altura de las circunstancias. Eso sí, si te apetece ver una rocambolesca historia de madres locas y una actuación sublime de Emma Suárez como mujer en crisis de mediana edad capaz de llevar el empoderamiento cougar a sus últimas consecuencias, pasarás un buen rato.

 

'How to talk about girls at parties', de John Cameron Mitchell

 

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No es Submarine, no es 24 Hour Party People ni tampoco algo de Danny Boyle. Simplemente How to talk about girls at parties está ahí, en medio de todos estos referentes, como una especie de peli indie británica montonera donde los adolescentes son tan mitómanos hacia un género musical como inexpertos en el terreno del amor.

El director de Hedwig and the Angry Inch adapta un relato de Neil Gayman que permite, como era de imaginar con estos datos, que el departamento de arte se exhiba en todo su esplendor, en concreto con una versión extraplanetaria del circo del sol y también con una troup de zagales punks liderados por Nicole Kidman que parecen haber recibido el curso exprés sobre la actitud de esta tribu buscando looks en Forever 21.

Si te apetece ver una sesión de convencionalismos estéticos y narrativos á la Sundance o si estás abonado al creador de Sandman no te arrepentirás. Para los demás...

 

 

'Claire’s Camera', de Hong Sang-soo

 

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Hay dos clases de películas de Hong Sang-soo: las que ponen una fuerte barrera de entrada a los novatos, por la búsqueda de una complicidad con el espectador que conozca los referentes que ha ido construyendo en sus pelis, y a las que pueden acercarse todos los públicos, como pasa con Ahora Sí Antes No o Nobody's Daughter Haewon.

Aquí nos encontramos en el primer grupo, en un pequeño puzzle con referencias a la vida personal del cineasta, de aparición de elementos mágicos que nos obligarán a juguetear con la construcción de la historia, de las repeticiones que crean ecos perfectos para enredarnos… en fin, lo de siempre. Sangsoo no se muestra especialmente imaginativo en esta pequeña pieza, lo que no quita que Claire’s Camera siga siendo un valor seguro para los amantes del sobreanálisis conceptual.

 

‘Happy End’, de Michael Haneke

 

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El director austríaco reúne en Happy End elementos de prácticamente todas sus mejores películas anteriores (sólo echamos en falta La cinta blanca y Funny Games, todo lo demás está ahí) como si mediante la complicidad con el espectador pudiese ahorrarse explicaciones y conferirle mayor profundidad al concepto de una historia que, si nos fijamos bien, tiene las patas muy cortas. ¿La novedad? Un plantel de aristócratas que van desnudando su sociopatía y desesperación vital con la mayor tranquilidad del mundo. Ellos son al tiempo clichés y también criaturas misteriosas, por esa falta de datos en el relato que nos sumergen en la ambigüedad hasta bien entrada la cinta.

Los golpes de genialidad deben ser escrutados activamente, ya que la narración es lo bastante áspera y lúgubre (pura marca de la casa) como para ocultarse de nuestra vista. Por lo demás, su subtexto político no logra emanciparse de lo ya visto en el universo Haneke. Una autorreferencialidad que nos deja un poco indiferentes.

 

‘Napalm’, de Claude Lanzmann

 

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El director de Shoah cuenta una historia apasionante, importante sin duda. Claude Lanzmann nos muestra 20 minutos de Corea del Norte, de las grabaciones in situ aprobadas por el régimen comunista (en concreto por el de 2016) que realizó el director en su última visita. Esa primera parte, que prende poderosamente en nosotros el interés hacia esa sociedad que aparece tan frustrada como envalentonada y viva, se difumina cuando el director se coloca ante la cámara para contarnos una anécdota amorosa de su viaje de juventud en este mismo país, 57 años antes.

Entendemos la intención del director, crear un choque de perspectivas entre las cuatro Coreas aquí descritas (las resultantes de los ejes pro y antirégimen/finales de la guerra del país y la Corea contemporánea) vehiculado a través de dos estilos narrativos tan distintos.

Pero mantener todo el respeto por la figura de Lanzmann y por su idea no impide ver la indulgencia de una obra que, por su contenido, debería haberse quedado en un corto o en un mediometraje.

 

 

‘The Florida Project’, de Sean Baker

 

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Nos iba haciendo ya falta alguna película de arrebatadora dimensión visual y The Florida Project responde a nuestras peticiones. Sean Baker, el director de Tangerine, ofrece un relato en dos partes sobre la vida en los suburbios próximos al parque de Disneyworld.

La primera hora es una excursión contemplativa, enamorada de su paisaje (como pasaría en Spring Breakers aquí también tenemos un millón de colores y sonidos por minuto) y trasmitida desde el punto de vista de unos niños asilvestrados y felices, mostrándonos así la dicha de una infancia saturada de estímulos concebidos precisamente para exaltar la niñez. La segunda, entrando ya en el territorio del drama moral con aplauso fácil, nos muestra cómo ni los que viven en los márgenes pueden llegar a ejercer su soberanía, a ser libres como lo somos todos al principio de nuestras vidas. Como diría la canción de Kool & The Gang que abre el filme, celebremos los buenos tiempos. Vamos.

 

 

‘Before we vanish’, de Kiyoshi Kurosawa

 

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Kurosawa vuelve a usar como escudo el género de ciencia ficción para elaborar algo más, tanto a nivel discursivo como formal. Aquí se desmarca del cine de monstruos y peligros fantásticos mediante la construcción de un melodrama de importante atención a la evolución de las emociones de los personajes y metiendo un twist sobre lo que los espectadores esperamos se desarrolle en el plano filosófico en un filme sobre invasiones extraterrestres.

La llegada de unos usurpadores de cuerpos (que también roban conceptos humanos como “familia” o “amor”) no es la excusa para hablar del comportamiento ante una amenaza externa, sino una posibilidad para comprender que, en realidad, el enemigo del “yo” podemos ser nosotros mismos. Este director sigue siendo único en su raza, con sus cadencias de ritmo tan extrañas y sus resoluciones cinematográficas desconcertantes (atención a la escena de acción aérea del filme). ¿Puede achacársele a una película que permanece atípica todo el tiempo que patine en ciertos momentos? Lo dudo.

 

‘The Killing of a Sacred’, de Yorgos Lanthimos

 

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Yorgos Lanthimos ha aterrizado definitivamente en el panorama norteamericano. Los que lamentaron el cambio idiomático que hizo el director griego en Langosta, su anterior película, llorarán ahora también un cambio estilístico. En concreto, en el caso de The Killing of a Sacred Deer el creador ha pasado definitivamente de cierto verismo formal a una desvergonzada grandilocuencia en sus planos y banda sonora que no está a la altura de lo que ofrece su argumento.

Una familia de dos médicos (Nicole Kidman y Colin Farrell) y sus dos hijos sufrirán una maldición por parte de un misterioso adolescente ajeno al grupo que les hará tomar una decisión fatal. Estos elementos sustentan un cuento de terror más pendiente de la vertiente psicológica que de la paranormal, pero aunque los actores dialogan o expresan ciertas ideas como los ensimismados personales asociales de los filmes de sello Lanthimos, no hay ningún tipo de justificación para ello y los tics se insertan en un mundo corriente, con lo que estos comportamientos y esa atmósfera “lanthimiana” se siente como una elección totalmente caprichosa.

Al final la película se revela como un disparo de fogueo a medida que resolvemos el mecanismo, de bajísimo nivel de sustancia y más baja aún competencia para entretener al espectador.

 

 

 



#8
Aero_m2

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Todo el Palmarés del 70° Festival de Cannes

 

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Se cierra el telón de la edición del 70o aniversario, con su abundancia de proyecciones y eventos, que reunió a las personalidades más destacadas del cine mundial en Cannes durante los pasados 12 días. El evento culminó esta noche en el escenario del Grand Théâtre Lumière, en donde Monica Bellucci, la Maestra de ceremonias, recibió al Jurado de los largometrajes presidido por Pedro Almodóvar para anunciar el Palmarés 2017. La Palme d’or fue proyectada después de la Ceremonia del palmarés, clausurando esta edición.

 

LARGOMETRAJES

 

PALME D'OR

THE SQUARE dirigida por Ruben ÖSTLUND

 

 

PREMIO DEL 70o ANIVERSARIO

Nicole KIDMAN

 

 

GRAND PRIX

120 BATTEMENTS PAR MINUTE (BPM (BEATS PER MINUTE) dirigida por Robin CAMPILLO

 

 

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR

Sofia COPPOLA por THE BEGUILED

 

 

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN MASCULINA

Joaquin PHOENIX en YOU WERE NEVER REALLY HERE, dirigida por Lynne RAMSAY

 

 

PREMIO A LA MEJOR INTERPRETACIÓN FEMENINA

Diane KRUGER en AUS DEM NICHTS (IN THE FADE), dirigida por Fatih AKIN

 

 

PREMIO DEL JURADO

NELYUBOOV (LOVELESS) dirigida por Andrey ZVYAGINTSEV

 

 

 

PREMIO AL MEJOR GUIÓN EX-ÆQUO

Yorgos LANTHIMOS y Efthimis FILIPPOU por THE KILLING OF A SACRED DEER

Lynne RAMSAY por YOU WERE NEVER REALLY HERE

 

 

CORTOMETRAJES

 

PALME D'OR

XIAO CHENG ER YUE (A GENTLE NIGHT) dirigida por QIU Yang

 

 

MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO

KATTO (THE CEILING) dirigida por Teppo AIRAKSINEN

 

 

UN CERTAIN REGARD

 

PREMIO UN CERTAIN REGARD

LERD (A MAN OF INTEGRITY) dirigida por Mohammad RASOULOF

 

 

PREMIO A LA MEJOR INTEPRETACIÓN FEMENINA

JASMINE TRINCA por FORTUNATA, dirigida por Sergio CASTELLITTO

 

 

PREMIO A LA MEJOR POESÍA NARRATIVA

BARBARA dirigida por Mathieu AMALRIC

 

 

PREMIO AL MEJOR DIRECTOR

Taylor SHERIDAN por WIND RIVER

 

 

PREMIO DEL JURADO

LAS HIJAS DE ABRIL dirigida por Michel FRANCO

 

 

CAMÉRA D’OR

 

JEUNE FEMME (Montparnasse Bienvenüe) dirigida por Léonor SERRAILLE, presentada en UN CERTAIN REGARD

 

 

 

CINEFONDATION

 

PRIMER PREMIO

PAUL EST LÀ (PAUL IS HERE) dirigida por Valentina MAUREL

INSAS, Bélgica

 

 

SEGUNDO PREMIO

HEYVAN (ANIMAL) dirigida por Bahram & Bahman ARK

Iranian National School of Cinema, Irán

 

 

TERCER PREMIO

DEUX ÉGARÉS SONT MORTS (TWO YOUTHS DIED) dirigida por Tommaso USBERTI

La Fémis, Francia

 

El Jurado de la CST ha atribuido el "PREMIO VULCAIN AL ARTISTA-TÉCNICO" a: Josefin ASBERG por su aporte extraordinario y coherente a la película THE SQUARE.







También se etiquetó con una o más de estas palabras clave: Cannes, 2017, Festival, Cine

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